Виппер Б. Введение в историческое изучение искусства

 ОГЛАВЛЕНИЕ

III. ЖИВОПИСЬ

Насколько скульптура в целом непопулярна у современного зрителя,
настолько живопись пользуется широкими симпатиями общества (между прочим,
очень часто сейчас при перечислении специалистов по искусству можно
прочитать "художник" вместо "живописец"). Каковы же причины этой
популярности живописи в широких кругах? Несомненно чрезвычайное разнообразие
и полнота явлений, впечатлений, эффектов, которые способна воплощать
живопись; ей доступен весь мир чувств, переживаний, характеров,
взаимоотношений, ей доступны тончайшие наблюдения натуры и самый смелый
полет фантазии, вечные идеи, мгновенные впечатления и тончайшие оттенки
настроений. Если архитектура создает пространство, а скульптура -- тела, то
живопись соединяет тела с пространством, фигуры с предметами вместе с их
окружением, с тем светом и воздухом, в котором они живут.
Леонардо да Винчи восхищен необозримыми возможностями живописи, он
называет ее "божественным" искусством и с увлечением перечисляет задачи и
проблемы, темы и мотивы, которые находятся " распоряжении живописи, но не
доступны другим искусствам.
При этом, в отличие от графики, живопись воплощает образы а красках, во
всем их блеске и богатстве и при любом освещении. "Однако это богатство и
разнообразие покупается дорогой ценой -- ценой отказа от третьего измерения,
от реального объема, от осязания. Живопись -- это искусство плоскости и
одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии.
Эта плоскость составляет главную "условность" живописи, и главная трудность
живописца состоит не в том, чтобы преодолеть эту условность (преодоление ее
означает отказ от искусства -- вспомним птиц, клевавших виноград Зевксиса),
а в том, чтобы выдержать ее, так сказать, в одном ключе или, выражаясь
иначе, на одинаковом расстоянии от действительности.
Дело в том, что об этой условности, этом ограничении живописи зритель
часто забывает. Тут могут помочь сравнение и контраст со скульптурой. Свою
внешнюю бедность скульптура искупает сгущенной осязательностью. Живописи
угрожает как раз обратное -- преувеличенное изобилие, подчеркнутая
иллюзорность или, скажем иначе, мнимость. Вот чтоб их ограничить, связать
себя, противостоять гипнозу реальности, живопись и применяет как противоядие
отказ от третьего измерения. Зритель же обычно или вовсе забывает, что
живопись двухмерная, и поддается целиком ее иллюзии, или же рассматривает
плоскость как неизбежное зло, которое надо игнорировать. На самом деле
плоскость и поверхность картины -- столь же важные элементы художественного
воздействия, как и созданные на ней образы. Дело в том, что каждая картина
выполняет две функции -- изобразительную и экспрессивно-декоративную. Язык
живописца вполне понятен лишь тому, кто сознает декоративно-ритмические
функции плоскости картины.
Мы начнем с так называемой станковой картины (то есть картины,
написанной при помощи станка или мольберта), и начнем именно с плоскости и
поверхности картины. Каковы материалы и техника станковой живописи? Прежде
всего, важное значение имеет основа, на которой пишет живописец, так как она
в значительной мере определяет прочность, технику и стиль живописи. В
древности наибольшим распространением пользовалось дерево -- его употребляли
уже в Египте и Древней Греции, затем в средние века и в эпоху раннего
Ренессанса (в XIV веке часто из одного куска делались и картина, и рама для
нее). В Италии XV--XVI веков чаще всего применяли тополь, реже иву, ясень,
орех. В раннюю пору итальянские живописцы использовали толстые доски, на
задней стороне не обструганные. В Нидерландах и Франции с XVI века стали
охотнее всего применять дубовые доски, в Германии же -- липу, бук и ель. При
этом старые мастера принимали во внимание не только прочность дерева, но и
его тон и характер рисунка древесины (так, например, голландские живописцы
XVII века для изображения воздушной вибрации неба использовали рисунок
древесного волокна). Начиная с XVIII века дерево постепенно теряет
популярность у живописцев.
Главный соперник дерева в качестве основы живописца -- холст
встречается уже у античных художников. В литературе первое упоминание о
холсте встречается в трактате монаха Гераклия (вероятно, X век), но всегда в
сочетании с деревом -- или для обтягивания деревянных досок, или для
заклеивания швов полосками холста. В знаменитом трактате Ченнино Ченнини
(ок. 1400 г.) холст упоминается как основа для живописца. Но все же в эту
эпоху холст применяли лишь эпизодически. Широкого применения холст достигает
только на рубеже XV--XVI веков, в особенности в Падуе и в Венеции, около
1500 года тонким холстом пользовались для темперы (Карпаччо, Мантенья). Под
влиянием венецианцев холст вводит в употребление Дюрер. Начиная с Тициана,
холст входит в Италии в повсеместное употребление, и при этом главным
образом грубых сортов. Дольше всего держались за дерево и сопротивлялись
введению холста нидерландские живописцы. Обычай дублировать потертый холст и
накатывать поверхность картины (особенно охотно этот прием применяли в эпоху
классицизма) часто затрудняет определение возраста холста.
Со второй половины XVI века появляются медные доски главным образом для
небольших картин. Особенной популярностью они пользовались во Фландрии
(например, Ян Брейгель, прозванный Бархатным, писал небольшие картины,
подражая миниатюре в точности и эмалевом блеске красок). Преимущества дерева
и меди заключаются в том, что они не допускают вредного для масляных красок
проникновения воздуха с задней стороны картины. Но, с другой стороны, холст
гораздо пригодней для свободного, широкого письма. В XIX веке иногда для
набросков пользовались картоном.
Для каждой основы необходима особая грунтовка. Задача грунтовки --
уровнять, сгладить поверхность основы, чтобы помешать связующим веществам
всасываться в основу, а кроме того, участвовать своим тоном в колорите
картины.
В живописи средних веков и раннего Возрождения (вплоть до XVI века)
господствует белый шлифованный грунт из гипса и мела. Его преимущества
заключаются в гладкой поверхности, прочности, способности пропускать сквозь
красочный слой сильно рефлектирующий свет; таким образом светлая грунтовка
позволяла расширять световую шкалу колорита. В XIII--XIV веках белая
грунтовка часто покрывалась золотом, гладким или орнаментированным. В конце
XIV века золотая грунтовка постепенно исчезает, но золото остается в нимбах
и орнаменте одежды; вместе с тем золотой фон уступает место пейзажу.
Отчасти при переходе с дерева на холст, отчасти в связи с новыми
живописными проблемами и более быстрыми темпами работы в грунтовке
происходят важные перемены: вместо гипса или мела грунтуют масляной краской
и от белого переходят к красочному и темному грунту. В конце XVI века
красочная грунтовка масляными красками получает полное признание в Италии, а
оттуда расходится по всей Европе. Особенной популярностью пользовался
красновато-коричневый грунт (так называемый болюс), придающий теням теплоту.
С другой стороны, Рубенс, например, видоизменял грунт в зависимости от темы
и задачи, которые он ставил в своей картине: то он применял белый, то
красноватый, то серый. Цветной грунт поощрял контрасты колорита, его
динамику, но уменьшал прочность картины. Поэтому картины эпохи барокко, хотя
они выполнены позднее, частью дошли до нас в худшем состоянии, чем картины
мастеров кватроченто.
Говоря о технике живописи, следует иметь в виду, что здесь имеет
значение не только состав красок, но и свойства связующих веществ. Главная
задача связующих веществ -- закрепить краски в грунте и связать их друг с
другом. От связующих веществ зависит химическая прочность техники, но только
до известной степени: пастель обходится почти без связующих веществ и от
времени почти не меняется, картины масляными красками вследствие химических
процессов в связующих веществах сильно поддаются воздействию времени.
От красочного материала живописец требует оптической насыщенности,
гибкости, блеска, чистоты, химической прочности. Однако все вместе эти
требования несоединимы, поэтому каждая живописная техника основана на
каком-нибудь компромиссе. Можно сказать также, что в зависимости от
красочной техники в каждой картине могут быть два вида света -- свет,
отражаемый поверхностью, и глубокий, внутренний свет. Первый свет
динамичный, но бескрасочный; второй -- горит цветом, проходя через несколько
красочных слоев. Можно сказать, что красочная звучность картины тем сильнее,
чем больше внутренний свет превосходит внешний.
Начнем с тех техник, которые занимают как бы промежуточное место между
графикой и живописью.
Пастель. Названа так от итальянского слова "раб1а" -- тесто (так
выглядит незасохшая масса пастельных красок). Пастель состоит из обычных
красочных пигментов, но отличается тем, что имеет мало связующих веществ.
Пастельные карандаши должны быть сухими и мягкими, чтобы можно было
перекрывать один слой другим. Дефект пастели: она очень чувствительна к
мелким повреждениям, легко стирается, осыпается и т. п. Преимущества пастели
-- в большой свободе радикальных изменений: она позволяет снимать и
перекрывать целые слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу.
Пастель допускает съемные тонкие слои, втирание краски пальцами или особым
инструментом (ез1отре), достигающее тончайших, нежнейших переходов тонов.
Колористические границы пастели определяются тем, что пастельный карандаш
допускает только кроющие (пастозные), но не прозрачные краски, поэтому грунт
не просвечивает и не принимает участия в колористических эффектах пастели.
Пастель очень богата поверхностным светом, но очень бедна внутренним светом.
Поэтому ее краски производят несколько приглушенное, матовое впечатление.
Именно эти свойства пастели привлекали к ней, по-видимому, мастеров рококо
(Розальбу Каррьера). Иногда в художественных кругах появлялось некоторое
предубеждение против пастели (напомним слова Дидро, обращенные к Латуру:
"Подумай, друг, что ведь все твои работы только пыль"). Иногда пастель
называли "живописью дилетантов", упуская из виду, что в технике пастели
созданы выдающиеся художественные шедевры.
Теоретически происхождение пастели следует относить к концу XV века,
когда впервые появляются итальянский карандаш и сангина, когда пробуждается
интерес к цветной линии и комбинациям нескольких тонов в рисунке. Термин же
"pastello" впервые применяется в трактате Ломаццо в середине XVI века. В
течение всего XV века пастель находится как бы в потенциальном состоянии, не
переступая традиций чистого рисунка. Но в это время все усиливаются
живописные тенденции, растет тяга к большим форматам, к размаху композиции,
к иллюзии пространства и воздуха. Последний, решающий шаг делается в начале
XVIII века: с одной стороны, совершается бифуркация к технике трех
карандашей, с другой стороны -- вся плоскость бумаги закрывается красочным
слоем, и наряду со штриховкой начинает применяться втирание красок.
Характерно, что и теперь главный стимул идет из Италии: первым мастером
настоящей пастели можно назвать венецианку Розальбу Каррьера, которая в
Париже в 20-х годах XVIII века становится знаменитой своими портретами
знати.
XVIII век -- расцвет пастели. Ее крупнейшие мастера -- Шарден, Латур,
Лиотар. Затем классицизм решительно отвергает пастель, как технику слишком
нежную, бледную и лишенную решительности линий. Но во второй половине XIX
века пастель переживает некоторое возрождение в творчестве Менцеля, Мане,
Ренуара, Одилона Редона и особенно Эдгара Дега, который открывает в пастели
совершенно новые возможности -- сильную линию, звучность краски и богатство
фактуры.
Акварель и гуашь тоже иногда включаются в круг графических техник.
Однако мы склонны считать их разновидностью живописи. Обе эти техники
применяют воду для растирания и накладывания красок. Важное различие между
ними заключается в том, что акварель состоит из прозрачных красок, тогда как
гуашь -- из корпусных, кроющих.
Главное связующее вещество акварели -- гуммиарабик -- легко
растворяется в воде, но не позволяет один сырой слой краски перекрывать
другим. Поэтому же в акварели трудно достигнуть кладки равномерного слоя.
Можно было бы сказать, что преимущество акварели вытекает из естественных
трудностей ее техники. Акварель требует быстрой работы, но ее
привлекательность как раз в свежести и беглости впечатления. Белый или
красочный фон, который просвечивает сквозь тонкий слой краски, намеренно
незакрытые поля белой бумаги; текучие, мягкие, светлые переходы тонов --
главные стилистические эффекты акварели.
Гуашь по технике ближе к акварели, по художественному воздействию (с ее
шероховатой бумагой, густым слоем кроющих красок, накладыванием светов
пастозными белилами и т. п.) -- к пастели.
Акварель в нашем теперешнем понимании начинается очень поздно (даже
позднее, чем пастель). Но техника акварели известна очень давно -- ее знали
уже в Древнем Египте, в Китае, ее применяли средневековые миниатюристы.
Поздняя готика и эпоха Ренессанса выдвинули в Северной Европе целый ряд
выдающихся мастеров акварели -- в Нидерландах братьев Лимбург и Губерта ван
Эйка, во Франции -- Жана Фуке, в Германии -- Дюрера -- как в рукописных
миниатюрах, так и в пейзажных набросках. Но это еще не акварель в позднейшем
понимании этого термина. Акварель в то время не имела самостоятельного
значения -- ее применяли для графических, иллюстративных целей, для
раскрашивания рисунка. Итальянское искусство эпохи Ренессанса совершенно
игнорировало акварель, поскольку она не могла конкурировать со стенной
живописью и была полностью подчинена графике, рисунку (не случайно в
акварелях старых мастеров сквозь краску всегда проступают штрихи карандаша
или пера).
Расцвет акварели совпадает с упадком монументальной стенной живописи и
со временем увлечения рисованием и писанием непосредственно с натуры, то
есть со второй половины XVIII века. Нет сомнений, что перемены совпадают с
важными кризисами в области изобразительных искусств -- с потерей контакта
между живописью и архитектурой и с усилением в графике репродукционных
задач. Акварель -- искусство тончайших нюансов и в то же время недомолвок --
современница классицизма, тенденциям которого она прямо противоположна.
Акварельная живопись в современном понимании зарождается в Англии.
Возможно, что отчасти ее зарождению содействовала сама природа Англии с ее
облачностью и туманами -- текучий ритм акварели как нельзя более пригоден
для передачи воды, воздуха, рассеянного света. В годы деятельности Гертина,
Тернера, Котмэна акварель считалась национальным искусством англичан. Второй
расцвет акварель пережила в пору импрессионизма (Уистлер), когда почти
каждый живописец пробовал свои силы в акварели.
Акварель и пастель тяготеют к миниатюре, к мягкому, нежному, но
сложному языку. Фреска, напротив, любит большие плоскости, монументы,
возвышенный ритм и вместе с тем обобщенный, упрощенный язык. Фреска орудует
тоже водяными красками, но ее связующим веществом является известь:
живописец пишет прямо на стене, на сырой, свежей штукатурке (отсюда и
название "fresco"-- свежий).
Главная трудность фресковой живописи заключается в том, что начатое
художник должен докончить, пока сырая известь не высохла, то есть в тот же
день. Поэтому работа идет по частям. Если необходимы поправки, то надо или
выцарапывать, или вырезать всю соответствующую часть известкового слоя и
накладывать новый. Поэтому совершенно естественно, что техника фрески
требует быстрой работы, уверенной руки и совершенно ясного представления о
всей композиции и каждой ее части. Поэтому же фреска поощряет простоту
образного языка, обобщенность композиции и четких контуров.
Так как во фреске и грунт, и связующее вещество представляют собой
единство (известь), то окраска не осыпается. Но зато известь подвержена
сильной химической реакции, которая вредно отзывается на некоторых
пигментах. К тому же фрескист должен считаться с неизбежным изменением
колорита, с просветлением красок после высыхания. Словом, мастеров фрески
больше, чем живописцев, работающих в другой технике, связывают трудности
техники -- быстрота работы, трудность поправок, ограниченность колорита,
наконец, требования самой стены и окружающей архитектуры. Но мы уже знаем,
что живопись по самому существу своему нуждается в связывании, ограничениях,
самопожертвовании. И, быть может, именно поэтому во фреске созданы самые
глубокие, самые возвышенные произведения живописи.
Техника фрески известна уже античности. Однако, как свидетельствуют
образцы, сохранившиеся в Риме, в Помпее и т. п., античная фреска отличалась
от поздней некоторыми приемами. В спорах исследователей по этому поводу
наметились два основных отличия. 1. Художники Ренессанса применяли два слоя
извести; напротив, античные мастера -- много слоев. 2. Поверхность античной
фрески была блестящей, так как она полировалась горячим воском. Иначе
говоря, античная фреска представляла, собственно, собой смесь фрески с
живописью восковыми красками (так называемая энкаустика).
В средние века традиции античной фрески забываются. Но понемногу
начинает вырабатываться новая техника. До XIV века особенной популярностью
пользовался прием "buon fresco" (то есть по сухой штукатурке), подробно
описанный монахом Теофилом в начале XII века. Техника "al secco" держится в
течение всего XIV века, но параллельно ей развивается смешанная техника (ее
применяли Джотто и его школа), которая и подводит нас к чистой классической
фреске (получившей прозвище "buon fresco" -- то есть хорошая, добротная
фреска). Процесс работы Джотто, по свидетельству современников, заключался в
следующем. Сначала наносился первый слой, состоявший из двух частей песка и
одной части извести, все смешано с водой. После того, как первый слой
высыхал, на нем намечали квадратную сеть (для облегчения переноса рисунка на
стену) и набрасывали углем главные элементы композиции. Через второй слой,
тонкий и гладкий, просвечивал рисунок. Окончательный перелом в развитии
фрески совершается около 1400 года. Вместо квадратной сети теперь пользуются
так называемым картоном -- большим подробным рисунком в натуральную
величину. С него всю композицию переносят на стену путем протыкания контура.
Кроме того, темперой пользовались только для последней ретуши; в основном же
писали красками, смешанными с известью.
До сих пор мы говорили о монументальной живописи. Для станковой картины
(самостоятельное произведение живописи, свободное от всяких декоративных
функций и выполненное на мольберте или станке) характерны две основные
техники -- темпера и масляная живопись. Обе эти техники применяют одни и те
же пигменты, но отличаются связующими веществами, а отсюда существенное
отличие и в процессе работы, и в окончательном стилистическом эффекте.
Термин "темпера" от латинского "temperare" (что значит -- смягчать,
укрощать, смешивать). Эта техника имеет несколько вариантов, которые
объединяются тем, что их связующие вещества могут быть разбавлены водой, но
после высыхания в воде не растворяются. Связующим веществом могут быть
яичный желток (главным образом в античности) и яичный белок (в средние века
и в эпоху Ренессанса), к которому прибавляются то мед, то фиговый сок, а
также казеин и другие вещества.
Темпера -- это трудная техника. Краски нельзя смешивать, надо
накладывать очень тонкими слоями, одну рядом с другой, без переходов
(поэтому от масляной живописи темпера отличается некоторой жесткостью).
Темпера предпочитает простые сочетания красок; смешанные, преломленные тона
можно получить лишь накладывая один слой на другой. Моделировка достигается
штриховкой или оттенками тона. При темпере применяют особый лак из смолы и
конопляного масла, который усиливает блеск живописи. Темпера образует
совершенно своеобразный рельеф поверхности, прямо противоположный тому,
который свойствен масляной живописи -- наиболее густые слои краски в тенях,
наиболее мягкие на свету. Большое преимущество темперы: равномерно сохнет,
не образует трещин, так называемых кракелюр. Вместе с тем темпера в гораздо
большей степени диктует свои условия живописцу: она требует большой ясности,
строгости, можно было бы сказать, суровости стиля. И поэтому в какой-то мере
ограничивает живописца в его исканиях.
По происхождению темпера древнее масла. Уже готические живописцы
употребляли ее в классическую эпоху. В средние века это самая
распространенная техника для алтарных картин. В Италии темперой пользовались
в течение всего XV века. С конца XV века все усиливается популярность
масляной живописи (пришедшей в Италию с севера), которая в XVI веке
окончательно вытесняет темперу. В конце XIX века начинается некоторая
реабилитация темперы.
Техника масляных красок долгое время была связана с раскраской
деревянных статуй. Но поздний ее расцвет дал толчок развитию новой живописи,
а в новейшее время она стала синонимом живописи вообще.
Техника масляной живописи обладает многими преимуществами сравнительно
с другими. Прежде всего, техника масляной живописи основана на связывании
пигментов различными сохнущими растительными маслами (льняное, маковое,
ореховое и др.) и различными лаками. Эти связующие вещества позволяют
применять различные технические приемы (в этом смысле можно сказать, что
живопись масляными красками самая индивидуальная из всех живописных техник)
и притом комбинировать приемы, которые в других техниках могут применяться
только по отдельности, например применение корпусных красок и прозрачных
красок и рядом, и одна на другую, и в смешении. Вместе с тем масляные краски
долгое время не меняют вида, тона и блеска. Наконец, масляная живопись дает
художнику полную свободу в выборе темпа работы (медленный, детальный и
широкий смелый -- alla prima), а также в выборе рельефа -- от самой жидкой
до сочной, пастозной, густой кладки. Можно было бы сказать, что в отличие от
всех остальных техник масляная поощряет самоуверенность и дерзость.
При этом дефекты масляных красок больше относятся к отдаленному
будущему, а не к настоящему: с течением времени масляные краски теряют
эластичность, силу связующих веществ, темнеют, желтеют, покрываются
трещинами (кракелюры), так как масло твердеет и уменьшается в объеме. (Можно
сказать, что кракелюры появляются тем раньше, чем гуще живопись, так как
различные слои сохнут с различной быстротой.) Старые мастера боролись с этим
подготовкой основы, грунтовкой, поздние -- покрыванием картины смолистым
лаком (кстати напомним, что слово, обозначающее лакировку картин накануне
открытия выставки,-- "вернисаж" -- перешло на торжественную процедуру
открытия выставок).
Следует в заключение подчеркнуть, что старые мастера не знали ряда
красок, которыми мы теперь широко пользуемся, например кобальта, кадмия и
других. Кроме того, старые мастера знали только свинцовые белила, тогда как
мы теперь чаще пользуемся цинковыми (их преимущества: они прочнее и не
желтеют). Французские романтики начала XIX века, стремившиеся к густым,
мрачным эффектам, увлекались так называемым битумом (или асфальтом), с
помощью которого достигали глубоких бархатных теней, но ценой больших жертв,
так как асфальт медленно сохнет, картина темнеет и трескается. Таким
образом, за свободу техники масляной живописи часто приходится платить
дорогой ценой.
Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы.
Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в
настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи
нидерландского живописца Яна ван Эйка -- мастера первой половины XV века.
Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше
и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй
пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют
исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его
нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая
к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках -- во всяком случае,
именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным
методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия.
Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от
ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная
живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да
Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом
происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини,
который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой
находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в
следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и
Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких
традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической
фантазии живописцев.
Еще один перелом -- историческая цезура проходит где-то во второй
половине XIX века -- живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это
радикальнейшее отличие -- техника старых мастеров и техника новейшей
живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства.
Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем
глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более
красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего
горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких
прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более
непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в
более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок
выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного
понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы
формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим
в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической
последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца --
сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых
мастеров переживала последовательны" стадии развития, от композиции к форме
и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы
смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и
стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов,
категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся
непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка" и композиция, тон и линия
возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может,
так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является
несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее,,
накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие.
Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является
Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот
смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент
работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет
эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые
разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и
кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно
слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной
стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до
последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет.
Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых
мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые
различные варианты, но по своему существу этот метод основан на
последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия -- это
детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает
главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света
и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным
слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер --
черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и
коричневый ("Святой Иероним" Леонардо да Винчи). Затем следует основной
слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В
этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще
все светлые места в картине. Задача этого слоя -- дать лепку формы.
Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой,
киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое,
который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко
сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника. Некоторые
живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс,
вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся
прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и
теплыми. Главная задача третьего слоя -- насытить колорит картины цветом,
дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки
ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка
примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть
сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у
наиболее выдающихся мастеров колорита -- Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В
общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие
достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с
середины XVI века, особенно же в XVII--XVIII веках, главное внимание
сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как
бы воплощал свой творческий процесс.
Техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры
(обработка поверхности картины), а с другой -- от концепции колорита у того
или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К
основным элементам колорита мы теперь и обратимся.
Самым главным элементом колорита является краска. В каждой краске мы
различаем три качественных признака. Прежде всего, ее цвет -- синий, зеленый
и т. п. Далее -- светлость краски. Каждую краску можно сделать более светлой
и более темной, не меняя ее специфического характера: светло-зеленый и
темно-зеленый являются оттенками той же зеленой краски, но отличаются
степенью светлости. В-третьих, наконец, интенсивность краски. Можно отнимать
у краски ее красочное содержание, силу ее цвета, пока она, оставаясь такой
же светлой, не сделается совершенно серой; или, наоборот, не меняя ее
светлости, все более примешивать к ней красочный пигмент.
Далее очень важное различие между красками определяется понятием
теплого и холодного тонов. Теплыми называют такие тона, которые приближаются
к желтому, красному, пламенному; они согревают, радуют, возбуждают. Холодные
же -- те тона, которые родственны синему и зеленому, которые связаны в нашем
представлении с водой и небом, охлаждают, успокаивают и печалят. Теплые тона
физиологически сильнее возбуждают глаз, чем холодные, поэтому они как бы
выступают вперед, кажутся ближе холодных. Поэтому теплые тона зовут еще
позитивными, холодные -- нейтральными, или негативными. Среди старых
мастеров поклонниками теплых тонов были Тициан, Рубенс, Рембрандт, холодных
-- Боттичелли, Греко, Мурильо и другие.
Каждый тон в картине связан с окружением, в зависимости от него
становится холоднее, светлее или темнее; соседние тона могут его
поддерживать или ослаблять. Красная крыша кажется совершенно иной при чистом
голубом небе или при облачном. Кроме того, каждый тон меняется в зависимости
от основы, грунта, подмалевка. Живописец стремится увидеть сразу все тона
своей картины, чтобы определить их взаимоотношения, притом в двояном смысле.
С одной стороны, он наблюдает с особенным вниманием тона, кажущиеся
одинаковыми или родственными по степени своей светлости (например, тон
белого дома или белого облака). Различия этого типа живописцы называют
валерами. С другой стороны, художника интересуют отношения красок между
собой по степени их теплоты или холодности. На этих ступенях и отношениях
строятся поиски общей тональности, господствующей во всей картине. При этом
следует различать тон и локальную краску. Локальными красками называются те
по большей части чистые, несмешанные, непреломленные тона, которые в нашем
представлении связаны с определенными предметами как их объективные,
неизменные свойства (голубое небо, зеленая трава, красный плащ, который и в
тени, и на свету остается красным, только темней или светлей). Так
воспринимали мир итальянские и нидерландские живописцы XV века. Тонами,
напротив, мы называем те изменения, которые происходят с красками под
влиянием света, воздуха, рефлексов, объединения с другими красками; когда
одна и та же локальная краска приобретает совершенно различный тон в тени и
на свету. Чувство тонального колорита начинает складываться в XVI веке,
достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у
импрессионистов.
Все краски -- результат действия света. Цвет предмета -- это та краска,
которую предмет отражает, поглощая все прочие. Согласно Ньютону, черная
краска -- так сказать, отсутствие всякого цвета, белая -- сумма всех красок.
Белый солнечный луч, пропущенный сквозь призму, разделяется на основные
краски -- пурпурную, красную, оранжевую, желтую, зеленую, синюю, фиолетовую.
Из них красную, желтую и синюю Краски называют первичными красками, зеленую,
фиолетовую и оранжевую -- вторичными. Все краски спектра, объединенные
вместе, в свою очередь, дают белую. Но белый луч может быть получен и путем
соединения попарно двух основных красок, например красной с зеленой,
оранжевой с фиолетовой, желтой с синей. Эти парные краски зовутся поэтому
дополнительными (комплементарными). Каждая дополнительная краска вызывает в
глазу отражение своей парной. Отсюда ясно, что цвет предмета не есть нечто
абсолютное, постоянное, он меняется в зависимости от освещения и соседства.
Белая скатерть кажется голубоватой, если на нее положить апельсины, и
розовой, если мы видим на ней зеленые яблоки.
Чувство краски имеет свою историю. Более интенсивные краски -- красную
и желтую -- различали раньше, чем синюю и зеленую. Известно, например, что
палитра Полигнота состояла только из четырех красок -- черной, белой,
красной, желтой. Постепенно палитра греческих живописцев становилась богаче,
но у них еще долго не было точного различения зеленой и синей красок. Уже
поздней стали различать лиловую и фиолетовую краски. В общем, можно сказать,
что на севере восприятие мира было более живописным, чем "а юге: сырая
атмосфера, мягкие переходы тонов в природе способствовали развитию красочной
наблюдательности художника, чувства общей тональности, умения различать всю
богатейшую игру цветовых оттенков неба, моря и далей. Колористическая
живопись не случайно рождается в Венеции, Париже, Амстердаме, Лондоне.
Другим важным моментом был здесь выход живописца из мастерской на открытый
воздух -- пленэр.
Но как достигнуть блеска, светлости, прозрачности красок живой природы?
Ведь на палитре художника нет яркости цветов природы, ведь шкала света в
распоряжении художника много уже шкалы солнечного света. Так, например,
белизна белой краски в сорок раз слабее белизны освещенной солнечным лучом
белой поверхности. Если мы обозначим самую глубокую тень в природе единицей,
а самую яркую белизну сотней (другими словами, если световая шкала в природе
охватывает градации от единицы до ста), то световая шкала живописи
простирается только от четырех до шестидесяти. Поэтому живописец не может
дать полного отражения натуры, не может конкурировать с абсолютной
светлостью и темнотой натуры. Живописец может достигнуть только аналогичного
с действительностью впечатления, созвучия красок, их контрастов, дополнений,
взаимных поддержек и возбуждений. Искусство живописи -- искусство световых я
цветовых отношений.
В этом смысле очень велико различие между старыми мастерами и новейшими
живописцами (особенно с середины XIX века). Живопись старых мастеров (более
всего эпохи барокко) была построена на сложных красочных переходах,
несмешанных, преломленных тонах. Новейшие живописцы часто предпочитают
основные краски, отбрасывая черные, коричневые, серые. Старые мастера
тяготели к "ильным контрастам света и тени, они писали светлое на темном я
темное на светлом. Живописцы XIX века (особенно импрессионисты) научились
воссоздавать солнечное сияние, не ища контрастов света и тени, но выделяя
светлое на светлой.
Отсюда естественно вытекает и еще одно отличие. Чтобы получить желаемый
тон, старые мастера смешивали краски на палитре. Но всякая смешанная краска
серее, бледнее тех чистых красок, из которых она смешана. Поэтому живописцы
XIX века постепенно переходят к несмешанным краскам, предоставляя им
смешиваться в глазу зрителя. В старое время этот прием применяли только
мастера мозаики как декоративный прием, достигая таким образом той воздушной
вибрации, которая нужна для рассмотрения издали. До крайней степени
последовательности прием разложения тонов довели так называемые пуантилисты,
накладывая на холст несмешанные чистые краски в виде маленьких квадратных
мазков или красочных точек (отсюда и название). Если отойти от картины
пуантилиста на известное расстояние, то глаз зрителя воспринимает не
отдельные красочные точки, а воздушные, прозрачные, как бы пронизанные
светом вибрирующие тона.
Наконец, новейшие живописцы гораздо больше внимания, чем старые
мастера, уделяли закону красочного контраста. Как уже говорилось раньше,
смешение дополнительных тонов дает белую краску. Но если положить эти тона
рядом, они сохранят свою силу, приобретут новую интенсивность, блеск,
взаимно возбудят одна другую. Французский романтик Делакруа один из первых
стал изучать это оптическое явление и положил начало новому пониманию
колорита. В своем дневнике он рассказывает такой случай. Он долго бился над
тем, как ему ярче изобразить желтый занавес, и решил пойти в Луврский музей
поучиться у старых мастеров. На улице он подозвал кучера. Когда к нему
подъехал экипаж, выкрашенный ярко, в желтый цвет, Делакруа сразу понял, как
добиться максимальной яркости желтого цвета: он увидел рядом с экипажем
фиолетово-синюю тень, своим контрастом усиливающую желтый цвет экипажа --
одна краска поджигала другую.
Параллельно интенсивности колорита идет реабилитация линии. В отличие
от импрессионистов с их расплывчатым туманом светлых красок, как бы без
контуров, у Матисса, Гогена, Ван Гога -- широкие, полнозвучные пятна красок
и ясные контуры. Гоген говорил: "Преувеличивайте, форсируйте, сгущайте
краску!" У Гогена в его применении красок мы находим не столько
изобразительность, сколько декоративность: на его картинах синие стволы,
красный песок, розовые лошади. На столь же звучных, контрастных цветах
построены картины Ван Гога, но здесь краски являются уже не декоративным, а
психологическим фактором, становятся орудием настроения. Сам Ван Гог
описывает свою задачу в картине "Ночное кафе" таким образом: "В своей
картине я пытаюсь выразить, что кафе -- это место, где можно сойти с ума и
совершить преступление. Я стремлюсь этого достигнуть, противопоставляя
мягкому розовому кроваво-красный и нежно-зеленому -- кричаще-желтый
тон"4.
Само собой разумеется, что все отмеченные качества красок являются
только общей базой колорита, но отнюдь не исчерпывают его эстетического
содержания. Художники оперируют этими элементами, но главное эстетическое
воздействие зависит часто от неуловимых нюансов, почти не поддающихся ни
научному анализу, ни словесному выражению. Например, живописцы барокко
писали свободными и смелыми мазками, но сколь различны характер и экспрессия
мазка у Ван Дейка, Маньяско, Тьеполо У Рубенса мазки мощные, но мягкие,
закругленные, эластичные и сочные. У Ван Дейка -- взволнованные, бурные, как
бы взрывающиеся. У Франса Гальса -- жалящие и меланхолические. Или сравним
красный тон у Тициана, Рубенса и Рембрандта: он очень различен и по
физической структуре, и по эмоциональному содержанию. Синий тон у Мурильо --
сочный, насыщенный чувственной прелестью, мечтательно-нежный; у Греко --
прозрачный, холодный, бестелесный, нереальный.
Если всмотреться глубже в живопись старых мастеров, можно представить
эволюцию колорита в следующих главных этапах. В живописи XV века (все равно
-- итальянской, нидерландской, французской, немецкой) краски существуют как
бы независимо от светотени: художник расцвечивает предметы и независимо от
их красочной оболочки моделирует их градациями света и тени. При этом фигуры
героев не сливаются в колорите с окружающим пространством в одно целое:
фигуры предстают пестрыми, яркими, фон выдержан в неопределенно-серых или
бурых тонах. Наконец, в каждой краске сильно чувствуется пигмент, она как бы
остается на плоскости картины, не погружается в глубину пространства, не
превращается в изображение.
В конце XV века, раньше всего в Венеции, потом в Северной Европе,
намечаются первые перемены в этой системе "архаического" колорита. Теперь
краски накладывают не отдельными плоскостями, а сливают их в переходы,
полутона. Краска освобождается от своих, так сказать, химических свойств,
перестает быть пигментом, обозначением и делается изображением. Краска и
форма сливаются в одно органическое целое (в XV веке раскраска и лепка формы
существовали отдельно), краска становится неотделимой от света и
пространства, она лепит предметы, расставляет их в пространстве, участвует в
их движении -- одним словом, краска, которая раньше образовывала только
декоративную оболочку, теперь составляет атмосферу, жизнь, дыхание картины.
Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто -- это превращение локального
колорита в тональный. Вместе с тем коренным образом меняется самое понятие
композиции в картине. Если раньше композиция включала в себя главным образом
линейную структуру картины, строилась на взаимных отношениях фигур между
собой (их симметрии или равновесии, динамике их контуров, орнаментальном
ритме их силуэтов), то теперь композиция относится и к колориту картины, к
известной системе ее красочных отношений. Причем особенной популярностью в
то время пользовалась система композиции, которую можно назвать полярной или
перекрестной симметрией: в правой и левой частях картины красочные пятна
распределялись более или менее симметрично, но контрастно в смысле
тональном, то есть если, например, слева композиция завершалась светлой
фигурой, то справа ее уравновешивала темная или же теплому пятну справа
соответствовало холодное слева. Часто этот принцип выдерживался не только в
горизонтальном, но и в вертикальном направлении, так что темному пятну в
левом верхнем углу композиции соответствовало светлое пятно в правом нижнем
углу. Так впервые в европейскую живопись стал проникать принцип диссонанса,
разрешающегося в конце концов в гармонию. Самым излюбленным приемом
красочной композиции в эпоху барокко становится так называемая овальная
схема, согласно которой композиция картины составляется как бы из
концентрических колец овальной формы, вперемежку то светлых, то темных, то
теплых, то холодных.
Если в XVI веке краска имеет сравнительно слабое имитативное значение
(как идеальное вещество, означающее жизнь вообще), то в XVII веке краска все
более конкретизируется и все более взаимопроникается со светом (у Караваджо
-- свет, а не освещение). Наступает конец золота и сверхчувственности
краски. Появляются новые оттенки: у Караваджо -- томатно-красный,
оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса --
неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт
ограничивает свою палитру только темными тонами, зато у него особенно
повышается выразительность краски, ее значительность, насыщенность,
одухотворенность; краска возбуждает, внушает, кажется загадочной, как бы
отрывается от действительности. Для живописцев Ренессанса (Тициан) краска
есть элемент жизни и натуры, для живописцев барокко (Веласкес) она в гораздо
большей степени есть элемент живописной фантазии, выполняющий прежде всего
эстетические функции.
В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более
виртуозной, сложной и порой легкомысленной -- в тончайших нюансах и
преломлениях тонов, которым нет ни названий, ни аналогий в натуре. Краска
становится самодовлеющей: лицо, волосы, одежда, стена пишутся в нюансах
одного тона. На первый план выступают преломленные тона, заглушенные,
вянущие -- белый, светло-желтый, кофейно-коричневый.
Для XIX века характерны борьба различных тенденций, противоречие между
краской и формой. Краска служит главным образом только оптическим целям,
утрачивая более широкое выразительное значение. Теряется ритм краски, ее
экспрессия; она ограничивается изображением. Реакция наступает у Гогена, Ван
Гога, символистов.
До сих пор мы анализировали элементы плоскости или поверхности картины.
Но в живописи каждый стилистический элемент, в том числе и колорит,
выполняет двоякую функцию. С одной стороны, он украшает плоскость, служит
декоративным или экспрессивным целям, воплощает настроение, является
элементом ритма. С другой стороны, те же элементы как бы отрицают плоскость,
перестают быть реальностью и делаются фикцией, изображают близкое и далекое,
тьму и свет, входят в мир воображаемого пространства и времени.
Существуют, однако, два специфических элемента картины, которые как бы
создают переход от плоскости к изображению, одновременно принадлежа и к
реальности картины, и к ее фикции -- формат и рама.
Может показаться, что формат картины -- только инструмент художника, но
не непосредственное выражение его творческой концепции: ведь художник только
выбирает формат. А между тем характер формата самым тесным образом связан со
всей внутренней структурой художественного произведения и часто даже
указывает правильный путь к пониманию замысла художника.
Как правило, формат избирается до начала работы живописца. Но известен
ряд художников, которые любили во время работы менять формат картины, то
отрезая от нее куски, то прибавляя новые (особенно охотно этот делал
Веласкес).
Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный,
причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник,
более или менее вытянутый вверх или вширь. Некоторые эпохи ценят круглый
формат (tondo) или овал. История формата еще не написана; существуют только
эпизодические исследования, относящиеся к отдельным эпохам и художникам. Из
них с несомненноостью вытекает, что выбор формата ив имеет случайного
характера, что формат обычно обнаруживает глубокую, органическую связь как с
содержанием художественного произведения, с его эмоциональным тоном, так и с
композицией картины, что в нем одинаково ярко отражается и индивидуальный
темперамент художника, и вкус целой эпохи.
Скрытую причинную связь между форматом и замыслом художника мы ощущаем
перед каждой картиной, от которой исходит очарование истинного
художественного произведения. Есть картины, содержание которых настолько
срослось с характером формата, что малейшее перемещение пропорций, кажется,
должно было бы нарушить стилистическое и идейное равновесие картины. При
этом следует различать случаи, когда художник совершенно свободен в выборе
формата в соответствии с темой и композицией своей картины, и такие случаи,
когда художнику приходится считаться с уже данным форматом (например, при
украшении архитектурных элементов-- сводов, люнет и т. п.) и когда перед ним
возникает вопрос, как приспособить свой замысел к готовому формату, как
вписать в него свою композицию.
Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден
для повествовательной композиции, для последовательного развертывания
движения мимо зрителя. Поэтому к такому формату охотно обращаются художники,
настроенные эпически, стремящиеся к активной композиции, к действию,--
например итальянские живописцы XIV и первой половины XV века (особенно во
фресковых композициях). Напротив, формат квадратный или такой, в котором
вышина несколько преобладает над шириной, как бы сразу останавливает
динамику действия и придает композиции характер торжественной репрезентации
-- именно этот вид формата предпочитали для своих алтарных картин мастера
Высокого Возрождения ("Сикстинская мадонна"). В свою очередь, при
значительном преобладании вышины над шириной композиция опять приобретает
динамику, сильную тягу, но на этот раз вверх или вниз; такой узкий формат
был особенно по душе художникам аристократическим, декоративным (Кривелли)
или настроенным мистически (маньеристы, Греко), стремящимся воплотить
определенные эмоции, настроения.
Конечно, непреложных законов формата нет, но есть уловимые тенденции,
язык формата.
Для иллюстрации этих потенциальных стилистических свойств различных
форматов возьмем несколько конкретных примеров, которые, однако, вместе с
тем свидетельствуют, что всякие абсолютные схемы в искусстве неприменимы,
что стилистические законы создаются художниками, а не для художников.
Возьмем, к примеру, тему "положение во гроб" и рассмотрим, как она
преломлялась в фантазии нескольких выдающихся итальянских живописцев. Когда
молодой Рафаэль со своей родины, из тихой Умбрии, где живописцы
культивировали главным образом лирические, созерцательные темы, попал во
Флоренцию и сразу окунулся в ее бурную, полную напряженных исканий
художественную жизнь, ему тоже захотелось разработать драматическую и
героическую концепцию в духе тех, какие увлекали тогда великих флорентийцев
-- Леонардо и Микеланджело. И вот под влиянием новой среды Рафаэль пишет
"Несение тела Христа", стремясь вложить в свою композицию страстный
драматизм и бурную динамику. Однако этот первый опыт молодого Рафаэля в
области героической композиции нельзя назвать вполне удавшимся: поиски
динамики приводят скорее к нагромождению мотивов, драматизм вырождается в
суматоху. Где же причина неудачи? Несомненно, что одна из них, и, может
быть, самая главная, заключается в неправильном выборе формата. Рафаэль
выбрал для своей картины квадратный формат и тем самым в корне затруднил
возможность активного, динамического развертывания композиции: движение
неизбежно останавливается, застывает, замыкается, так как ни одно из
направлений не получает перевеса. Сравнение с композициями других великих
мастеров, трактовавших ту же самую тему, ясно показывает, в чем заключалась
ошибка молодого Рафаэля. Так, например, Тициан, для того чтобы подчеркнуть
тяжелый, волочащийся ритм трагической процессии, выбирает для своего
"Положения во гроб" горизонтально вытянутый формат. Напротив, большинство
мастеров барокко (Караваджо, Рубенс) оказывают предпочтение вертикальному
формату, который позволяет выделить торжественность, величавость момента и
воплотить движение сверху вниз -- снятие с креста или опускание тела в
могилу.
Уже этот ряд примеров ясно показывает, что выбор формата подсказан не
столько темой как таковой, сколько тем специфическим ее истолкованием,
которое зарождается в фантазии художника. Еще убедительнее об этом
свидетельствует различная трактовка одной и той же темы ("Положение во
гроб") одним и тем же художником. Под конец своей деятельности, под влиянием
произведений Савонаролы, Боттичелли отказывается от мифологических тем и от
хрупкой, грациозной игры линий и развертывает в своих композициях образы
глубокого, потрясающего трагизма. К наиболее волнующим композициям этого
периода относятся две картины, изображающие положение во гроб (одна в
Мюнхене, другая в Милане). Для первой композиции Боттичелли выбирает низкий
поперечный формат, распростертый, давящий характер которого еще усиливается
массивным навесом скалы и темным зиянием пещеры. Такой же подавленный,
стелющийся ритм выдержан и в распределении фигур -- в кривой запрокинутого
тела Христа, в склонившихся к земле фигурах святых дев, в обмороке
богоматери и наклоненных головах апостолов. В этой картине Боттичелли
повествует о скорби и отчаянии в их различных стадиях и индивидуальных
переживаниях. Но в том же самом году Боттичелли пишет второе "Положение во
гроб", на этот раз исходя из совершенно иной концепции темы. Теперь его
задача не столько повествовательная, сколько экспрессивно-символическая. Он
хочет как бы связать все фигуры композиции в одно неделимое духовное
существо и воплотить их вопль отчаяния и страдания в непрерывном ритмическом
потоке линий. Если в этой новой композиции есть тяжесть падения и смерти, то
через жест и взгляд Иосифа Аримафейского в ней выражено и противоположное
направление -- тяга ввысь, устремление к небу. И для осуществления такой
задачи, естественно, подходящим был вертикальный формат.
Таким образом, можно сказать, что формат обладает не только своим
определенным декоративным ритмом, но и определенным эмоциональным тоном.
Поперечный формат давит, принижает, вносит оттенок грусти, пессимизма, может
быть, даже отчаяния. Милле сначала задумал свою композицию "Собирательница
колосьев" в высоком формате, но очень скоро почувствовал, что только
поперечный формат способен содействовать нужному настроению -- атмосфере
одиночества, бедности, тяжелого физического труда. Напротив, вертикальный
формат настраивает бодро, радостно, внушает зрителю чувство духовного
освобождения и возвышенных устремлений. Только в вертикальном формате Тициан
мог создать сияющий и ликующе-торжественный полет богоматери в своей
знаменитой "Assunta" ("Вознесение"). Но также и квадратный или круглый
формат обладает своим специфическим эмоциональным тоном, который можно
определить как покой, сосредоточение, глубокую концентрацию чувств и
помыслов. Именно эта эмоциональная концентрация, заложенная в круглом
формате (tondo), а также крайняя сложность в заполнении фигурной композицией
сделали этот формат столь привлекательным для некоторых мастеров
итальянского Ренессанса (особенно Боттичелли, Рафаэля и Микеланджело). Какую
сложную сеть эмоций сплетает Боттичелли в своих знаменитых тондо с
изображением мадонны, показывает его картина, называющаяся "Magnificat".
Здесь центр картины свободен и движения фигур концентрическими кругами
опоясывают его и устремляются к нему. Погруженная в размышления мадонна
пишет слова хорала в книгу, которую держит один ангел, и при этом пользуется
чернильницей, которую держит другой ангел. Обратим внимание, как сплетаются
прикосновения рук как взгляды связывают фигуры, в то же время нигде не
встречаясь. Младенец Христос смотрит па богоматерь, богоматерь -- на книгу,
на книгу же смотрит один из ангелов, тогда как другой ангел смотрит на
третьего, а третий -- опять на богоматерь. Получается перекрестная,
магическая сеть эмоций, из которой нельзя вырваться.
Характерно, что квадрат и тондо представляют наиболее редкие, наиболее
исключительные виды формата, только очень немногие периоды и направления,
склонные в той или иной форме к классическим тенденциям, с охотой
культивировали эти виды формата. В эпоху Ренессанса, например, круглый
формат можно встретить почти только во Флоренции и в Риме, тогда как
венецианские живописцы относились к нему так же отрицательно, как и к
квадрату. По мере же того, как идеи Ренессанса теряют свою популярность, и
тондо уступает свое место новому виду формата -- овалу, с конца XVI и до
середины XVIII века овал является одним из самых излюбленных форматов
европейской живописи. Это вполне понятно. Для жаждущих динамики художников
барокко тондо должно было казаться слишком застывшим,
абстрактно-математическим форматом. Овал двойствен. Он обладает не только
более мягким изгибом контура, но и более гибким, более изменчивым ритмом
своего силуэта. Насколько тондо олицетворяет покой и концентрацию, настолько
овал непостоянен и полон устремления. Свободный от опеки циркуля, овал может
быть уже, коренастей, свободней и т. д. Художник может придать овалу
совершенно персональный оттенок. Именно в этом направлении от некоторой
жесткости к мягкой текучести и развивается силуэт овала в эпоху барокко и
рококо, соответственно всем тем стадиям общей эволюции стиля, которую можно
проследить, например, в области рисунка и колорита.
Таким образом, мы вправе заключить, что история формата до известной
степени отражает общие перемены, происходящие в эволюции стилей. Особенно
тесная связь намечается между форматом и пространственной фантазией той или
иной эпохи. Высокие и узкие пропорции готического храма поощряли
вертикальный формат картины (узкие и высокие створки алтарного полиптиха как
бы повторяют разрез готического собора с его делением на главный и боковые
нефы). Напротив, архитектура Ренессанса тяготеет к просторным пространствам
и горизонтальным членениям, и на смену вертикальным створкам полиптиха
появляется поперечный формат фресковой композиции. Несомненна также связь
формата с индивидуальным темпераментом художника: чувственная, динамическая
фантазия Рубенса требует более крупного формата, чем сдержанная и
одухотворенная фантазия Рембрандта. Наконец, формат находится в прямой
зависимости от живописной техники. Чем шире, свободнее мазок художника, тем
естественнее его стремление к крупному формату; у Рембрандта параллельно
освобождению кисти растет формат; живописцы, работающие тонкими кистями,
предпочитают обычно малый формат.
Итак, анализ формата учит нас, что в эстетическом восприятии все
функции картины (и декоративные, плоскостные, и изобразительные,
пространственные) должны участвовать одновременно. Правильно воспринять и
понять картину -- это значит одновременно, неделимо увидеть и поверхность, и
глубину, и узор, и ритм, и изображение.
Что касается рамы, то ее стилистическое значение менее важно, чем роль
формата. Но все же рама активно участвует в эстетическом воздействии,
выполняя две основные функции. С одной стороны, рама концентрирует, как бы
собирает вовнутрь впечатление зрителя от картины, с другой -- замыкает,
отграничивает картину от внешнего мира. Подобно постаменту, рама выделяет
картину над действительностью и усиливает ее живописное единство, ее
иллюзорность. Это происходит благодаря, во-первых, тому, что рама в отличие
от плоскости картины трехмерна, во-вторых, тому, что она скошена вовнутрь и
подготовляет, возбуждает впечатление глубины.
Развитие рамы связано с появлением станковой картины -- со
средневековьем, с поздней готикой. В эпоху поздней готики и раннего
Ренессанса рама выступает как архитектурное построение, связанное с
архитектурой церкви и продолжающееся в архитектуре картины. Обыкновенная же,
не архитектурная рама, состоящая из реек, бортов и профилей, появляется с
середины XV века. Во все эпохи (особенно в барокко) преобладала золоченая
рама -- пышная (украшенная растительным орнаментом, изображениями фруктов,
раковин, сначала вырезанными из дерева, потом отлитыми из гипса),
нейтральная, мягко, но решительно отграничивающая картину от окружения. В
буржуазной Голландии XVII века господствовала темная (черная, коричневая)
рама с простыми профилями, естественная для темных и теплых по тону картин.
Вместе с импрессионистами появляется белая рама, особенно пригодная для
яркой, цветистой живописи.
Старые мастера были очень внимательны к раме, учитывали ее воздействие
в процессе работы, иногда даже писали в готовом обрамлении, считаясь с
определенным тоном и декоративным ритмом рамы. Поэтому композиции старых
мастеров часто очень выигрывают в первоначальных рамах. Так, например,
знаменитая картина Корреджо "Ночь" (теперь в Дрездене) производит гораздо
более сильное впечатление, если ее вставить в ту раму, в которой она была
первоначально задумана мастером (рама осталась в церкви св. Проспера в
Реджо): массивная, пластическая рама подчеркивает глубину и динамику, как бы
удлиняет картину; симметричный характер рамы с выделенной центральной осью
подчеркивает асимметрию, случайность композиции.
Связь между картиной и рамой в итальянской, особенно венецианской,
живописи Ренессанса часто подчеркнута еще созвучием архитектуры,
изображенной в картине, с тектоникой рамы, которые как бы продолжают одна
другую, например аркообразное завершение рамы находит отзвук в своде или
куполе изображенной архитектуры, и таким образом создается чрезвычайное
единство и замкнутость впечатления. У живописцев XVIII века, склонных к
крайней оптической иллюзии, это органическое слияние картины и рамы заходит,
однако, так далеко, что вместо реальной рамы картина оказывается вставленной
в иллюзорную, мнимую раму (Тьеполо). Напротив, живописцы эпохи романтизма
для достижения той же цели часто прибегали к другому приему, продолжая
изображение, вынося его на раму в символически-орнаментальных образах
(Рунге, Клингер). Так происходило смешение границ, приводящее к потере
дистанции с действительностью, между тем как рама должна обладать иной
действительностью, чем картина. Наблюдения над рамами старых мастеров
позволяют установить еще один принцип -- соответствие между профилем и
шириной рамы и размером картины: так, голландские живописцы имели
обыкновение вставлять свои небольшие картины в крупные рамы с глубокой,
отвесной профилировкой, которая как бы уводит глаз к центру картины и
изолирует ее от всякого воздействия окружения.
Наблюдения над рамой вплотную подводят нас к основной дилемме живописи,
к ее двойной функции: с одной стороны, живопись является украшением
плоскости, с другой же -- стремится к изображению, к иллюзии пластической
формы и глубокого пространства. В непосредственном художественном
воздействии все элементы живописной формы участвуют одновременно, неотделимы
один от другого и помогают друг другу, одновременно принадлежа и плоскости и
изображению. Наше условное расчленение живописной формы на отдельные ее
элементы отчасти оправдывается тем обстоятельством, что в истории живописи
можно наблюдать, как отдельные художники, а иногда и целые периоды отдавали
предпочтение то одному, то другому элементу, то линии, то светотени, то
цвету и т. д. Если мы сравним, например, картины Дюрера, Рембрандта и
Тициана, то сразу станет ясно, что в картине немецкого художника преобладает
линия, контур, силуэт, картина голландского художника погружена в волны
золотистого света, а картина итальянца насыщена яркими контрастами цветов.
Нет никакого сомнения в том, что древнейший и первоначальный способ
восприятия и изображения мира основан на линии и силуэте. Правда, в природе
собственно нет линий; есть только различно освещенные плоскости. Линия --
всего лишь наша абстракция, условное средство для опознания границ
плоскостей и предметов. Но эта условность необходима: живопись без линий,
что организм без тела, без остова. Энгр говорил ученикам: "Даже у дыма есть
форма, есть линейный рисунок".
В течение многих веков именно линейно-силуэтный рисунок (линия и
плоское пятно) был основой живописи. Таковы самые древние изображения на
стенах пещер во Франции -- силуэтные пятна животных из эпохи каменного века.
Такова декоративная роспись античных ваз, таковы цветные стекла готического
собора, таковы миниатюры средневековых рукописей, и такие же плоскостные,
линейные приемы изображения свойственны византийской и русской иконописи. В
новейшей живописи можно найти также немало приемов подобной
декоративно-плоскостной трактовки изображения. На линии и силуэте построено
воздействие декоративных панно швейцарского живописца Ходлера, к линии и
красочному пятну тяготеет живопись Гогена и Матисса. Вообще всюду, где
современный живописец ставит своей задачей декоративную стилизацию и
вдохновляется образами архаического или народного искусства, он стремится
реабилитировать линию, контур, красочный силуэт.

Во всех этих случаях главное художественное воздействие покоится на
простом контрасте между фигурами и плоским фоном: в греческой вазовой
живописи фигуры выделяются на красном, белом или черном фоне, в
средневековой мозаике или алтарной картине -- на золотом или синем фоне.
Таким образом, создается своего рода абстракция от реальной
действительности, фигуры живут словно в каком-то символическом пространстве.
Особенно велика абстрактно-символическая сила у золотого фона -- своим
блеском и таинственным мерцанием он из плоскости как бы обращается в
бесконечность. Было бы ошибкой, однако, оценивать плоскостный, силуэтный
способ изображения только как примитивный, только как результат неумения или
неправильного восприятия натуры. Контраст между линейно-плоскостным и
пространственным восприятием и изображением мира объясняется тем, что они
основаны на совершенно различных предпосылках. Линейно-плоскостной стиль в
живописи более свойствен эпохам с авторитарностью культур, основанных на
полном подчинении деспотической власти, на коллективных, безличных принципах
общежития. Наиболее ярко выраженные периоды такой авторитарно-коллективной
культуры мы встречаем в архаической Греции и в эпоху раннего средневековья,
и именно этим периодам в истории европейской культуры свойственны наивысшие
достижения в области линейно-плоскостного стиля. В свою очередь, из тех же
предпосылок тоталитарно-коллективной культуры естественно вытекает, что
живопись в эти периоды прежде всего стремится к подчинению общему ансамблю,
к выполнению декоративных, прикладных функций, к украшению архитектуры,
предметов культа и быта. Характерно, что эти эпохи не знают станковой
картины, самостоятельного, в себе законченного изображения. Напротив,
чрезвычайный расцвет переживают техники прикладной живописи, главной задачей
которой является не изображение, а украшение -- мозаика, ковер, эмаль,
витраж. Всем этим техникам свойственно, во-первых, что они принадлежат не
столько индивидуальному миру зрителя, сколько некоей коллективной общности,
являются неотъемлемыми элементами общего декоративного ансамбля, и,
во-вторых, что они не столько изображают действительность, сколько ее
преображают, сообщая реальным предметам некую новую, иррациональную материю.
Присмотримся ближе к некоторым свойствам этих техник -- например к
контрасту между ковром (гобеленом) и живописью на стекле (витражом).
Изображения на коврах (особенно в пору их расцвета -- на восточных,
персидских, а также европейских коврах в эпоху готики) имеют обычно чисто
линейный и плоскостный характер. При этом особенностью ковровых изображений,
навеянной материалом и техникой, является, с одной стороны, острый,
угловатый, граненый рисунок и с другой -- мягкий, бледный, заглушенный
колорит. На этом своеобразном стилистическом противоречии основано главное
очарование готического гобелена, как нельзя более соответствующее самому
назначению ковра: ковер принадлежит стене или ее заменяет, образуя четкую
границу пространства; и вместе с тем от прикосновения руки или порыва ветра
ковер приходит в движение, колеблется, волнуется, образуя складки,
превращается в подвижное, волнующееся, витающее изображение, своего рода
мираж.
Живопись на стекле тоже требует плоскостного,
декоративно-стилизованного рисунка. Но ее художественный эффект совершенно
другой. Пестрые окна церквей известны уже с IV века, но это был еще чистый
орнамент. Фигурные композиции появились только с конца X века на родине
готики, в Северной Франции. К числу древнейших образцов относятся витражи в
Аугсбурге (конец XI века) и замечательные, огромные окна на западном фасаде
шартрского собора (1160). Расцвет витража происходит в XIII веке во Франции,
когда готика как бы лишает стену опорных функций, вынимает ее и заменяет
окнами между огромными столбами.
Техника живописи на стекле, сложившаяся тогда, осталась почти
неизменной, с той лишь разницей, что в старые времена художники сами
изготовляли красочные стекла, а теперь получают их готовыми. Процесс
изготовления красочного витража проходит следующим образом. Сначала художник
делает точный, детально разработанный набросок композиции (картон) в размер
окна. По этому картону устанавливают главные линии композиции, которые будут
впоследствии проложены и скреплены свинцовой проволокой, и по отмеченным
границам вырезают куски стекла разного цвета. Их складывают затем на
стеклянной подставке против света, и художник расписывает их особой
прозрачной краской буроватого тона -- сначала наносит главные контуры
рисунка, а потом легко моделирует формы, штрихует, выцарапывает линии. В
заключение витраж подвергается плавлению и стеклянные куски вставляются в
свинцовую оправу. Сначала в витражах применялись лишь немногие тона
(коричневый, желтый, красный), и до конца XI века композиции имели главным
образом орнаментальный характер, фигурные группы выполнялись в небольшом
масштабе и вставлялись в медальоны различной формы. Постепенно палитра все
обогащается, фигуры увеличиваются, медальоны исчезают, появляются округло
моделированные фигуры (вместо линейно-плоскостного стиля складывается
пластически-пространственный), и витраж уже может соревноваться с алтарной
или станковой картиной.
Глубокое и возвышенное воздействие готического витража особенно
сказывается вечером, когда пространство собора погружено в сумерки, а
цветные стекла горят, освещаясь лучами заходящего солнца. Готический витраж
подобен в своем назначении и стилистическом эффекте гобелену и в то же время
от него глубоко отличен. Подобен потому, что и готическое цветное окно
заменяет собой каменную стену, является как бы витающей в воздухе границей
пространства; подобен и потому еще, что эффект цветного витража постоянно
меняется в зависимости от движения света, падающего сквозь стекло. Огромное
же отличие заключается в том, что колорит ковра построен на мягких,
заглушенных, бледных тонах, тогда как живопись на стекле горит яркими
цветами, насыщена светом и изменчива в тонах. Этот преображенный эффект
цветного витража еще усиливается контурами свинцовой оправы: ее очертания
отчасти совпадают с силуэтами фигур, отчасти же не имеют с ними ничего
общего, и, таким образом, над изображением или сквозь него проходит
беспредметный орнамент красочных пятен, такой же чистый, абсолютный, как и
озаряющий его свет.
Здесь пролегает граница двух живописных методов -- плоскостного и
пространственного. До готического витража живописцы изображали неизменные
контуры предметов на неизменном абстрактном фоне. Со времени поздней готики
и раннего Ренессанса живописцы уже изображают телесные предметы и те
изменения, которые происходят с ними в зависимости от света, пространства,
воздуха. Готический витраж как раз находится на границе двух методов:
художник уже оперирует светом, но еще не умеет свет изображать.
Окончательный перелом в европейской живописи происходит только тогда, когда
художники ставят своей целью достигнуть эффекта готического витража, но с
помощью изображения на глухом фоне.
Заметим, что этот перелом был уже отчасти предвосхищен в греческом
искусстве на пути от архаики к классике. Даже социально-стилистические
предпосылки оказались здесь схожими: расцвет городской культуры, начало
индивидуализма, пробуждение зрителя как полноправной личности, как активного
участника художественной жизни. Попытаемся в этой связи проследить за
эволюцией греческой вазовой живописи. Она совершается в трех этапах. С
начала VI в. до н. э. в греческой вазовой живописи господствует так
называемый чернофигурный стиль: на красном фоне обожженной глины фигуры
наносятся сплошными черными силуэтами. Это строго линейный, плоскостной
стиль, в котором и фигуры (профили), и фон представляют собой чистую
абстракцию. В конце VI -- начале V века начинается вторая стадия -- переход
к краснофигурному стилю: на сплошном черном фоне (лак) выделяются фигуры в
светло-красном тоне обожженной глины. Фон еще остается абстрактным, но
фигуры уже приобретают известную реальность в движении и поворотах (фас,
ракурсы). Наконец, третья перемена совершается в середине V века, когда
получает распространение светлый, белый фон, на который фигуры наносятся
прозрачными силуэтами и легкими красочными пятнами. Эти чудесные вазы с
белым фоном (так называемые белые лекифы) означают в греческой живописи
примерно ту же стадию развития, что готический цветной витраж в истории
средневековой живописи. Роспись белых лекифов имеет еще чисто линейный,
плоскостной характер, представляя собой в гораздо большей степени украшение
сосуда, чем самостоятельное изображение. И тем не менее в этих светлых,
бестелесных видениях, в этом неуловимом, светящемся фоне, так сказать, в
потенции готовы все основные принципы новой живописной концепции --
стремление к пространственному восприятию натуры, к моделировке формы
светотенью.
К этому же времени в классической Греции (аналогично -- в средневековой
Европе) живопись, отвечая новым социальным и духовным требованиям, стремится
отделиться от архитектуры, от стены, сбросить с себя декоративные функции и
превратиться в самостоятельное, законченное произведение, в индивидуальность
-- в станковую картину. Отныне живопись направлена уже не на предмет,
который она украшает, а на зрителя, который ее рассматривает; она должна
считаться с его индивидуальным вкусом, с условиями его восприятия, его
субъективной точкой зрения.
Естественно, что под влиянием этого перелома живопись поворачивает в
сторону реального изображения мира и прежде всего ставит своей задачей
создать два главных условия этого реального восприятия -- свет и
пространство.
Завоевание этих двух элементов живописного восприятия мира -- света и
пространства -- начинается почти одновременно и развивается параллельно как
в Древней Греции, так и в позднейшей европейской живописи. Характерно, что в
обоих случаях свет не имеет сначала самостоятельного значения и его
постижение проходит в пределах более общей проблемы пространства. Свет и
тень прежде всего привлекают внимание живописца как средство конструировать
форму и определить положение предмета в пространстве. Поэтому первые
наблюдения живописцев в области света относятся к различению светлой и
темной сторон освещенного предмета или фигуры, то есть к открытию так
называемой основной или телесной тени. В Древней Греции открытие светотени
почти совпадает с первыми опытами конструкции пространственной перспективы и
относится ко второй половине V века. Литературные источники связывают эти
открытия с именами живописцев Агатарха и Аполлодора. Агатарха греческие
историки искусства называют первым специалистом театральной декорации, и из
их описаний можно заключить, что декорации Агатарха к трагедиям Эсхила и
Софокла представляли собой нечто вроде архитектурных кулис, построенных на
элементарных принципах линейной перспективы. Гораздо более крупное
историческое значение греческие теоретики искусства приписывали Аполлодору.
Его реформа относилась прежде всего к области техники: Аполлодор был
основателем независимой от архитектуры станковой картины, выполненной в
технике темперы на деревянной доске. Но еще выше античные теоретики
искусства ценили глубокий внутренний переворот, вызванный стилистическим
открытием Аполлодора. Плиний, например, характеризуя значение Аполлодора,
говорит, что он "открыл двери живописи". Смысл открытия Аполлодора
становится особенно ясен из прозвища, которым наделили мастера его
современники: Аполлодора называли "скиаграфом", то есть живописцем теней, а
его живопись "скиаграфией". Аполлодор был первым греческим живописцем,
который стал моделировать форму с помощью света и тени. Отныне линейная,
плоскостная живопись уступает место пластической, трехмерной живописи.
Начиная с Аполлодора, живопись делается искусством оптической иллюзии.
Если открытию Аполлодора предшествовали целые тысячелетия абсолютного
господства линии и плоского силуэта, то теперь открытия идут одно за другим.
Изучая в природе освещение предметов, живописцы открывают падающую тень (то
есть тень, бросаемую предметами на окружение, на землю или соседние
предметы), затем просвечивание света сквозь прозрачные тела, рефлексы и
отражения (греческие источники описывают, например, картину живописца
Павсия: девушка с бокалом вина в руке, причем лицо девушки просвечивает
сквозь стекло с красными рефлексами вина). За лепкой формы, градациями света
и тени следует и другое важное открытие -- моделировка с помощью так
называемых поверхностных линий. Изгибаясь вместе с рельефом поверхности,
такая штриховка помогает глазу ощупывать форму предметов и определять их
положение в пространстве. Чем более свободным становится мазок живописца,
тем свободнее он пользуется направлениями этих поверхностных линий, рисуя
кистью "по форме". Вместе с тем, наблюдая над изменениями, которым предмет
подвергается под воздействием света и тени, живописцы все более внимания
уделяют отношениям предметов между собой, их связи с окружением, их
расстоянию от зрителя. Естественно, что параллельно завоеванию света в
живописи идет изучение пространства. Первым результатом этого изучения
является прием так называемого пересечения или закрывания одного предмета
другим, прием, которого художники тщательно избегали в период плоскостного,
линейного стиля. Окончательный же доступ в глубину пространства живописцы
получают с открытием законов перспективы.
В практической жизни мы почти не учитываем различие между оптической
видимостью вещей и их объективным существованием. Например, если два
предмета одинакового размера находятся на разном расстоянии и,
следовательно, один кажется нам больше другого, мы все же оцениваем их как
одинаковые: улица, нам кажется, суживается вдаль, но мы понимаем, что она
всюду одинаково широка. Не замечаем мы обычно и тех косых углов, которыми
оборачиваются к нам в зрительном восприятии прямые углы домов, столов и
шкафов. Одним словом, видимость вещей мы тотчас же истолковываем в тот образ
предметов, который есть уже в нашем представлении на основании нашего опыта,
наших знаний. Следовательно, если живописец рисует предметы в перспективе,
то он считается с тем, что зритель все видимые линии, масштабы и направления
почти бессознательно переводит в привычное для него представление о вещах.
Задача перспективы состоит в том, чтобы создать на плоскости картины те же
условия, в которых зрению являются реальные предметы в реальном
пространстве. Открытие перспективы не означает, таким образом, нового
способа смотрения (человек всегда видел вещи в более или менее
последовательной перспективе), а лишь новый способ изображения мира.
Представим себе, что мы смотрим с определенной точки зрения через стеклянную
плоскость на пространство и предметы. Каждая точка видимости оказывается
лежащей на поверхности стекла. Если это зафиксировать, будет перспективное
изображение.
Каковы основные признаки перспективного изображения пространства?
Отношение вышины к ширине предметов остается неизменным, радикальным образом
меняются только все отношения третьего измерения. Все масштабы предметов по
мере удаления от зрителя уменьшаются; предметы, находящиеся один за другим,
скрывают друг друга (пересечение). Все линии, удаляющиеся от плоскости
картины, сокращаются (ракурс). Если эти линии в действительности параллельны
друг другу, то на изображении они сходятся в одной точке на горизонте. Не
следует, однако, думать, что абсолютно правильное геометрическое построение
перспективы достаточно для убедительного впечатления глубины. Как известно,
два наших глаза видят в натуре два различных изображения, тогда как художник
дает только одно построение. Кроме того, центральная перспектива рассчитана
на вертикальное положение картины и на совпадение глаза зрителя с точкой
зрения в картине, между тем как в действительности картина может быть
повешена под сильным углом к стене и ее горизонт может совсем не совпадать с
реальным горизонтом зрителя. Поэтому художник часто отступает от абсолютно
правильного построения, подчеркивая одни эффекты, заглушая другие во имя
художественной правды (два горизонта у Веронезе). Не следует также думать,
что так называемая центральная перспектива -- единственный способ восприятия
мира и передачи пространства. Прежде чем он был открыт и отчасти параллельно
с ним художники пользовались и другими приемами изображения пространства.
В первую очередь здесь следует вспомнить античную живопись. И в области
света, и в области пространства греческие живописцы остановились как бы на
полпути, в предчувствии тех завоеваний, которые впоследствии были сделаны
европейской живописью. Проблему света греческие живописцы понимали только
как средство для пластической лепки, моделировки фигур, проблему же
пространства -- как узкую арену для действия фигур. Долгое время в
археологии господствовал взгляд, что грекам были известны принципы
центральной перспективы. Теперь это опровергнуто. Следует думать, что не
только греческие живописцы, но и греческие геометры не сделали тех последних
выводов из своих наблюдений над пространством, которые были сделаны в эпоху
Ренессанса. Так, например, Эвклид, хотя и признавал, что параллельные линии
сближаются по мере их удаления от глаза зрителя, однако не делал отсюда
вывода, что они должны сходиться в одной точке на горизонте. К тому же в
построении Эвклида идет речь только о двух элементах восприятия пространства
-- о глазе зрителя и воспринимаемом предмете, которые соединены оптическими
лучами; но в своей конструкции пространственного изображения Эвклид еще не
имеет, в виду плоскости изображения, которая эти лучи пересекает. Поэтому
лучше было бы назвать изображение пространства в греческой живописи не
"перспективой" (то есть смотрением сквозь пространство), а "аспективой", то
есть осматриванием, пластическим ощупыванием пространства глазами. Иначе
говоря, цель греческих живописцев -- телесное, но не пространственное
изображение. Они изображали не самое пространство, а фигуры в пространстве и
не могли представить себе пространство без человека.
Вполне естественно, что приемы построения пространства в греческой
живописи во многом сильно отступают от позднейшей центральной перспективы.
Так, например, греческий живописец всегда стремится изображать каждую фигуру
по отдельности, избегая закрывать одну фигуру другой и опуская тени,
падающие с одной фигуры на другую. Вместе с тем греческому художнику чуждо
представление глубины, бесконечного пространства, его последовательных
планов: в воображении греческого художника существует только передний план,
только близкие, доступные осязанию предметы. Характерным примером может
служить фреска, известная под названием "Альдобрандинская свадьба" и
хранящаяся теперь в Ватиканской библиотеке,-- есть все основания думать, что
она представляет собой римскую копию с греческого оригинала из времен
Апеллеса. В этой фреске легко видеть все отмеченные признаки греческой
"аспективы": фреска, безусловно, создает иллюзию телесности, но в ней нет
пространства в нашем понимании этого слова. Греческий живописец не нуждается
в единой, неподвижной точке зрения, которая составляет необходимую основу
центральной перспективы -- он как бы двигается мимо фигур и каждую
рассматривает по отдельности. Поэтому было бы неправильно искать в греческой
картине схождения параллельных линий в одной точке на горизонте. В
классический период греческой живописи параллельные линии, удаляющиеся от
зрителя, так и изображаются параллельными. В эпоху эллинизма живописцы,
правда, пользуются приемом сближения линий в полной мере, но каждая группа
параллельных линий имеет свою точку схода. Художник каждый предмет видит,
так сказать, по отдельности, или, иначе говоря, он рассматривает свой пейзаж
со многих точек зрения - то сверху, то снизу, то спереди, то сбоку.
Если приемы греческой живописи не совпадают с принципами центральной
перспективы, то все же можно говорить о некотором сходстве их основных
предпосылок. Однако история живописи знает и такие периоды, когда
художественное восприятие пространства было основано на принципах, прямо
противоположных центральной перспективе.
Самый яркий контраст европейскому восприятию мы находим в искусстве
Дальнего Востока, в китайской и японской живописи. Я уже не говорю о
своеобразных внешних признаках, так радикально отличающих китайскую и
японскую живопись от европейской. Начиная с основы и материала -- китайские
и японские живописцы охотнее всего пишут на шелке и бумаге прозрачной
акварелью или мягкой легкой тушью -- и кончая самим форматом картины (там
приняты особые перемещаемые форматы, ширмы, веера, длинные свитки --
"макимоно", "какемоно", развертывающиеся сверху вниз или справа налево, без
рамы, только узкий бордюр с двух сторон),- во всех приемах работы, в каждом
элементе техники эта живопись предъявляет к зрителю совершенно другие
эстетические требования, чем европейская картина.
Присмотримся внимательнее именно к концепции пространства в
дальневосточной живописи. Японская картина изображает придворных в широких
одеждах, вышитых золотом и серебром; при лунном свете они внимают звукам
флейты. Но как представляется фантазии японского живописца эта сценка
придворной жизни? Прежде всего, совершенно отсутствует лепка формы
светотенью, есть только мягкие взмахи линий и переливы легких красочных
силуэтов. Рядом с телесной, пластической живописью европейцев образы
японского свитка кажутся неуловимыми и расплывчатыми, подобно сновидениям;
вещи и пространство как бы растворяются в пустотах и паузах. Кроме того, в
отличие от привычного для европейца восприятия здесь пространство изображено
не спереди, а сверху. Если европейский живописец, желая показать
внутренность комнаты, как бы снимает переднюю стену, то японский живописец
снимав крышу и потолок. Зритель словно сверху заглядывает в комнату и сквозь
потолочные балки видит пол, спины и затылки участников концерта.
Возьмем другой пример -- китайскую картину, изображающую празднества в
честь поэта Ли Тайбо. И здесь также живописец обходится совершенно без лепки
предметов, без света и тени, показывая положение фигур в пространстве
исключительно ритмом линий, отношением тонов и переливами воздушной дымки. И
здесь художник воспринимает пространство сверху вниз. Поэтому поверхность
земли кажется поднимающейся почти отвесно, горизонт отсутствует, и на
дальнем плане пейзаж как бы исчезает в тумане бесконечности. К тому же
уходящие в глубину линии не сходятся в одной точке, а так и остаются
параллельными, тогда как фигуры словно слегка уменьшаются в масштабе по мере
приближения к нижней раме.
Как объяснить такое своеобразное восприятие пространства, столь чуждое
европейцу? Подобное изображение пространства иногда называют обратной
перспективой. Однако это вряд ли правильно. Такое название было бы применимо
к живописи, если бы она развертывала пространство не спереди назад, а задом
наперед. На самом же деле эта своеобразная концепция пространства имеет
совершенно иной смысл. Мы обычно делим пространство на близкий и на дальний
план; для китайского живописца все элементы пейзажа находятся одинаково
далеко или близко, он как бы витает над миром. Европейский живописец
воспринимает пространство спереди назад, китайский же живописец -- сверху
вниз. Философски эту точку зрения можно было бы истолковать следующим
образом. Европеец привык рассматривать картину как бы со стороны,
противопоставляя себя изображенному миру. Китаец словно перемещает себя в
изображение, делается участником этого изображения, сливается с его ритмом.
Здесь и технический прием соответствует мировосприятию. Когда европейский
живописец пишет картину, он ставит ее перед собой на мольберт и как бы
сквозь картину смотрит в глубину пространства. Китайский же живописец во
время работы (и китайский зритель, со своей стороны) развертывает свиток на
полу и смотрит на него сверху вниз.
Впрочем, и в самой Европе мы знаем периоды, когда восприятие
пространства в живописи было построено на основах, можно сказать, прямо
противоположных центральной перспективе. Такое "антипространственное", с
нашей точки зрения, восприятие натуры свойственно, например,
раннесредневековому искусству. Его принципы намечаются уже в период раннего
христианства, своего же полного расцвета они достигают в эпоху романского
стиля и в Византии, а в эпоху готики начинают перевоплощаться под
воздействием нового мировосприятия, идущего из Италии.
Уже в миниатюрах, относящихся к раннему периоду христианства, наряду с
приемами, заимствованными у античной живописи, мы находим своеобразные
приемы композиции, как бы отрицающие оптическое единство пространства,
например изображение в одном пространстве событий, происходящих в разное
время и в разных местах, или же отсутствие общего масштаба для изображенных
фигур. Иллюстрацией может служить свиток из Ватиканской библиотеки. Рассказ
ведется в виде непрерывного чередования эпизодов, причем главный герой
повторяется в каждой сцене рассказа и изображен в другом масштабе, чем
остальные фигуры, трактованные в виде абстрактного, схематического фона.
Другой пример -- миниатюра из так называемого "Россанского красного
кодекса", изображающая Христа и Варраву перед Пилатом. Миниатюра словно
разбивается на две совершенно независимые части -- верхнюю и нижнюю, но в то
же время взгляд палача, обращенный к Пилату, явно свидетельствует, что вся
нижняя группа задумана как бы находящейся перед Пилатом (на это указывает и
стол, который изображен так, словно зритель видит его сверху).
Если мы сравним эти два примера, то сразу бросится в глаза их
принципиальное отличие. В первом изображении, отражающем еще сильное влияние
античной концепции, главный герой выделен на переднем плане и пространство
развертывается спереди в глубину, тогда как во второй миниатюре главный
центр изображения находится наверху и пространство развертывается, так
сказать, сверху вниз. Таким образом, уже здесь, в миниатюре VI века,
появляются в зародыше принципы того своеобразного восприятия мира, которое
своего полного развития достигает в эпоху романского стиля. Его сущность
можно формулировать следующим образом. Композиция изображения строится не на
оптической, а на чисто мыслительной, символической связи. Элементы
изображения сопоставляются не по своим конкретным, пространственным или
временным признакам, но, с одной стороны, по их духовным и символическим
соотношениям, по принципам религиозной или космической иерархии, а с другой
стороны, по требованиям орнаментального ритма. Верх и низ в средневековом
изображении означают не пространственные категории, а лишь
символически-орнаментальные созвучия.
Ярким примером может служить миниатюра из евангелиара X века,
изображающая "Въезд Христа в Иерусалим", где апостолы и верующие,
расстилающие свои одежды по пути Христа, изображены ниже Христа и потому
должны поднимать свои плащи над головами. Это символически-орнаментальное
распределение композиции, этот прием "считывания" изображения сверху вниз
настолько прочно внедрился тогда в сознание, что и много позднее, в живописи
итальянского Ренессанса, мы находим его своеобразные пережитки (Кривелли).
Само собой разумеется, что при подобной композиции пространства рама
изображения и его фон приобретают совершенно особое значение, радикально
отличное от того, к которому привыкло наше зрение. Рама средневекового
изображения не означает границы пространства, она есть некий символический
знак, так сказать, орнаментальное очертание идеи. Поэтому изображение может
пересекать раму в разных направлениях, выходить из нее или же разлагаться на
несколько самостоятельных обрамлений. Вот характерный пример: миниатюра
изображает пророка Даниила в пещере со львами. Изображение разбивается на
два совершенно самостоятельных поля, очерченных закнутыми рамами: внизу
Даниил в пещере, наверху ангел; пророк же, несущий пищу Даниилу, пересекает
обе рамы и как бы связывает их в одно изображение, в одно идейное целое.
Точно так же и фон средневекового изображения имеет символическое,
иррациональное значение. В средневековых миниатюрах часто можно наблюдать,
как фигуры выделяются на орнаментально-стилизованном фоне. Однако такой фон
не следует понимать как реальную плоскость -- занавес или ковер; это как бы
некое недифференцированное, бесконечное пространство, из которого выступают
только нужные художнику образы. В античном искусстве пространство существует
постольку, поскольку оно заполняется телами, поскольку оно пластично,
ощутимо. Средневековый же художник мыслит только такое пространство, которое
обладает содержанием, выражает идею или символ. И только в эпоху Ренессанса
это, так сказать, квалитативное восприятие пространства начинает вытесняться
чисто квантитативным восприятием, пространства как некоей объективной
видимости, как глубины, как стихии, независимой от заполняющих ее предметов.
Это восприятие пространства как глубины кажется нам таким естественным,
можно даже сказать, неизбежным. Однако владение им далось европейскому
художнику лишь ценой долгих поисков и неотступных усилий. К каким диковинным
и парадоксальным результатам иногда приводили эти искания, можно убедиться
на обзоре принципов и видов рельефа -- напомним об обратной перспективе
некоторых средневековых рельефов, где фигуры и предметы уменьшаются по мере
удаления от главного героя, то есть не спереди назад, а задом наперед. Не
менее последовательное осуществление этой обратной перспективы встречается и
в средневековой миниатюре: здесь параллельные линии сближаются не в глубине,
на горизонте, а, напротив, сходятся наперед, как будто точка схода находится
у зрителя. Однако даже и этому словно вывернутому наизнанку пространству
нельзя отказать в несомненной эстетической логике: средневековый живописец
свое изображение мыслил не как оптическое впечатление, а как символ, идею,
божественное откровение, которое направлено, обращено на зрителя.
Окончательный поворот к реалистическому, глубинному восприятию
пространства совершается раньше в Италии, чем в Северной Европе. В течение
всего XIV века итальянские живописцы с удивительной настойчивостью и
последовательностью борются за завоевание центральной перспективы. Однако их
искания направляются больше чутьем и интуицией, чем теоретическими знаниями.
Поэтому ни Джотто, ни его последователям не удается раскрыть главную тайну
центральной перспективы -- добиться единой точки схода для всех уходящих в
глубину параллельных линий. В течение всего XIV века построение пространства
в итальянской живописи основано на так называемой конструкции по частям: у
каждой плоскости, уходящей в глубину, остается своя точка схода для
параллельных линий, и эти точки собираются на одной вертикали -- получается
как бы несколько горизонтов.
Заслуга первого практического осуществления центральной перспективы
принадлежит архитектору Филиппе Брунеллески. Уже античные геометры, например
Эвклид, основывали оптику на предположении, что глаз зрителя соединяется с
наблюдаемым предметом оптическими лучами. Открытие Брунеллески заключалось в
том, что он пересек эту оптическую пирамиду плоскостью изображения и получил
на плоскости точную проекцию предмета. Чтобы убедить флорентийцев в значении
своего изобретения, Брунеллески устроил оригинальную демонстрацию своей
перспективной теории. Использовав двери Флорентийского собора как
естественную раму, Брунеллески поставил перед ними проекцию баптистерия
(здания крещальни, расположенного перед собором), и эта проекция с известной
точки зрения совпадала с силуэтом изображенного здания. Флорентийское
общество с восторгом встретило изобретение Брунеллески, для молодого
поколения художников во главе с Донателло и Мазаччо точка схода, теория
теней и прочие элементы перспективы сделались отныне самой жгучей, самой
актуальной проблемой. Первое же систематическое изложение этой проблемы мы
находим у Л.Б. Альберти в "Трактате о живописи". Параллельно на севере
Европы идет интуитивная разработка проблемы перспективы -- в изображении
интерьера, динамического и ассиметричного, у Конрада Вица, гармоничного -- у
Яна ван Эйка.
Наряду с линейной перспективой живописцы итальянского Ренессанса
последовательно стремились овладеть еще тремя видами перспективного
изображения пространства, совершая здесь новые открытия. Сюда относится,
прежде всего, так называемая световая перспектива. Близкие предметы мы видим
яснее и отчетливее, чем далекие. Живописцы Ренессанса использовали это
наблюдение для создания иллюзии глубины, постепенно ослабляя моделировку
более удаленных предметов и смягчая силу освещения от переднего плана в
глубину. Кроме того, иллюзия глубины пространства может быть подчеркнута
соотношением тонов ("тональная перспектива"). Поскольку некоторые краски
(красная, желтая) имеют тенденцию выступать вперед, а другие (синяя,
коричневая) как бы уходить в глубину, подбором и сочетанием этих
"позитивных" или "негативных" тонов живописец может усиливать впечатление
глубины или, наоборот, ему противодействовать. Наконец, живописцы позднего
Ренессанса открыли еще один способ овладеть глубиной пространства -- так
называемую воздушную перспективу. Это название, впрочем, не совсем точно,
так как у воздуха нет цвета, его нельзя изобразить. Глаз воспринимает только
пылинки в воздухе; чем дальше от нас предметы, то есть чем гуще слой
пылинок, тем голубее кажется воздух и окутанные им предметы. Основываясь на
этом наблюдении, живописцы, начиная с Ренессанса, выработали особое деление
пространства на три плана при изображении пейзажа. Передний план обычно
писали в буроватых тонах, средний -- в зеленых, а дальний план -- в голубых.
Это тональное деление пространства на три плана (особенно последовательно у
Рубенса) упорно продолжалось в европейской живописи до конца XVIII века,
когда под влиянием акварели живописцы стали стремиться к более легким,
текучим, неуловимым переходам пространства, к уничтожению коричневого тона.
Но, в сущности говоря, только импрессионистам удалось окончательно
освободиться от векового гипноза трех планов.
Не следует, однако, думать, что конструкция пространства в картине
преследует только оптические цели, служит только для создания иллюзии
глубины. Эффекты перспективы могут оказывать гораздо более глубокое
эстетическое воздействие, могут создавать известный ритм, усиливать
действие, драматизировать его, пробуждать определенные эмоции и настроения.
В этом смысле, например, очень поучительно сравнить эффекты прямой и косой
перспектив. Торжественный, идеально-возвышенный тон композиции Рафаэля
("Афинская школа") и Леонардо ("Тайная вечеря") в значительной степени
поддерживается именно тем, что пространство их картин построено на строгих
принципах прямой перспективы. В "Тайной вечере" Леонардо длинный стол
помещен совершенно параллельно плоскости картины, и точка схода всех
уходящих линий находится в самом центре картины, в глазах Христа или,
правильнее сказать, в бесконечной дали позади его головы. Эта суровая
простота фона и его идеальное спокойствие тем сильнее выделяют драматическую
насыщенность события, происходящего на переднем плане.
Напротив, косая перспектива резко противоречит духу Ренессанса, и
поэтому свою наибольшую популярность этот прием приобретает в периоды, стиль
которых основан на антиклассических принципах -- на асимметрии, диссонансе,
динамической экспрессии. Тициан был одним из первых, кто стал широко
пользоваться приемом косой перспективы, предвосхищая таким образом
динамические эффекты барокко ("Мадонна Пезаро"). В этой композиции в отличие
от классического стиля нет почти ни одной горизонтальной линии. Она
построена не на спокойных плоскостях, а на динамических углах, быстрых
диагоналях, резких пересечениях. При этом горизонт взят очень низко (почти
на уровне нижней рамы), а точка схода помещена не в центре картины, а сбоку
-- далеко за ее пределами. В результате чрезвычайно усиливается эффект
пространственной иллюзии: кажется, что композиция выхватывает только
случайную часть бесконечного пространства, которое расходится во все стороны
за раму картины. Но в концепции Тициана все еще живы традиции классического
стиля: чтобы разрешить диссонанс в гармонию, внести равновесие в
динамическую композицию, Тициан помещает на переднем плане портреты
заказчиков в симметричных и параллельных плоскости картины профилях.
Живопись Тинторетто, младшего современника Тициана, уже совершенно свободна
от этих пережитков классического стиля. "Тайная вечеря" Тинторетто полна
волнующей энергии, насыщена тревогой и тайной не только потому, что
пространство темного зала кажется бездонным, что свет неожиданно выхватывает
из этой загадочной мглы только части фигур, но главным образом потому, что
длинный стол перерезает пространство острой, асимметричной диагональю, не
имеющей в композиции ни отголосков, ни противодействия.
Не менее важное значение для экспрессии и эмоционального тона картины
имеет выбор горизонта. Горизонт -- это камертон композиции. Различные приемы
живописцев в использовании горизонта объясняются не только психологией
стилей и эпох, но они часто бывают подсказаны также национальными и
географическими особенностями. Так, например, пожалуй, можно утверждать, что
в общем низкий горизонт более соответствует южному темпераменту, тогда как
высокий горизонт более популярен в искусстве Северной Европы. Из
повседневных впечатлений мы знаем, как меняется облик фигуры или предмета в
зависимости от того, смотрим ли мы на них сверху или снизу или находимся с
ними на одном уровне. Низкий горизонт выделяет фигуру, придает ей мощь,
монументальность, величие; высокий горизонт делает фигуры безличными,
пассивными, сливает с окружением. Крайне поучительно сравнить с точки зрения
горизонта методы двух гениальных портретистов -- Веласкеса и Рембрандта. Для
официальных портретов Веласкеса (смотрите так называемый "Портрет с
прошением", изображающий короля Филиппа IV) характерны застылость,
пассивность, отсутствие эмоциональной экспрессии и индивидуального жеста.
Этому впечатлению содействуют и преобладание черного тона, и расплывчатый
фон, но все же главную причину своеобразного безразличия модели следует
искать в очень высоком горизонте. Отчасти это объясняется тем, что Веласкес
обычно писал свои портреты стоя, глядя на модель сверху вниз. Поэтому ноги
модели видны в ракурсе сверху, что придает позе некоторую застылость, тогда
как взгляд портрета направлен снизу вверх -- этот прием особенно подчеркнут
в портретах придворных шутов и калек, которых так любил писать Веласкес,
усиливая трагическую беспомощность их образов. Напротив, Рембрандт, а также
Тициан в связи с их активной концепцией человека любили писать портреты
сидя. Портретам Рембрандта свойствен низкий горизонт, взгляд модели
направлен на зрителя сверху вниз -- этот прием как бы поднимает портреты над
окружением, придает им витальную силу, духовное величие, пластическую
четкость характера. Приемом низкого горизонта часто пользовались живописцы
Ренессанса и барокко в композициях монологического характера, где нужно было
выделить героя над окружением. В картине, называемой "Жилль", Ватто
удивительно удалось меланхолическое одиночество Пьеро. Нет никакого
сомнения, что одна из причин этого эффекта-- в низком горизонте: спутники
героя наполовину скрыты холмом, с которого Жилль произносит свой монолог, и
его фигура одиноким, загадочным силуэтом вырастает на фоне неба.
Однако в приеме низкого горизонта есть какая-то граница, за которой
монументальность образа начинает приобретать театрально-патетический или
сатирический характер, превращаясь почти в гротеск. Уже в "Жилле" Ватто есть
оттенок грустной иронии. Еще более подчеркнута ироническая тенденция
неизвестным мастером в портрете кондотьера дель Борро (раньше его
приписывали Веласкесу). Элемент гротеска есть уже в самой натуре забияки и
бражника. Но его надменное самодовольство еще более подчеркнуто круглым
стволом колонны, смятым знаменем и, конечно, всего выразительнее -- низким
горизонтом, который определяет положение зрителя у самых ног "триумфатора".
Иные стилистические возможности присущи высокому горизонту. В нем
отражаются какие-то пережитки старинной народной фантазии, средневековой
плоскостной концепции пространства. Недаром нидерландские живописцы,
ревностно хранившие традиции готики, упорно придерживались высокого
горизонта в XV и даже в XVI веке. При этом поверхность земли в картине
поднимается почти отвесно, подчеркивается не столько иллюзия глубины,
сколько плоскость, и все изображение приобретает орнаментально-сказочный
характер (Брейгель). Кроме того, высокий горизонт не изолирует
индивидуальную фигуру, не выдвигает героя, а, скорее, заглушает личность,
сливает ее с окружением, со стихиями природы.
Следует, однако, иметь в виду, что эмоциональный тон в картинах с
высоким горизонтом сильно меняется в зависимости от того, какой элемент
преобладает в композиции -- фигуры или окружение. Композициям с немногими
фигурами, которые подчинены пространству и настроению пейзажа и интерьера,
высокий горизонт придает уютный, интимный, несколько обыденный оттенок
("Святое семейство" Рембрандта), иногда грубоватый, почти брутальный
характер ("Даная" Рембрандта, "Вифлеемское избиение" Станционе). Напротив,
если в картине с высоким горизонтом фигуры заполняют всю плоскость, скрывают
реальное окружение, создается мистическое, иррациональное настроение.
Сошлемся на "Голгофу" Эль Греко. Ярким примером является также "Положение во
гроб" Понтормо. В связи с бледным, словно потусторонним светом, острыми
пропорциями и редким приемом композиции -- горизонт очень высок, но ряд
фигур находится еще выше, так что зритель все же, смотрит на фигуры снизу
вверх -- создается настроение необыкновенной таинственности (сравним
аналогичный эффект в картинах Греко). К тому же в картинах Рембрандта обычно
бывает горизонтальный формат, у Греко, Понтормо -- вертикальный.
Если на основе нашего анализа мы попытались бы вкратце реконструировать
историю горизонта в европейской живописи, то картина развития оказалась бы
очень изменчивой и противоречивой. В средневековой живописи, безусловно,
преобладает тяготение к высокому горизонту, отчасти оно объясняется
орнаментальными тенденциями средневекового живописца, отчасти его желанием
развертывать действие на широкой, явно обозримой арене. В североевропейской
живописи, в Нидерландах и Германии, господство высокого горизонта
продолжается долго. Напротив, в Италии, особенно после открытий Брунеллески
в области перспективы, пробуждается жажда экспериментировать всякими
сложными конструкциями и неожиданными точками зрения. При этом наибольшую
популярность у итальянских живописцев XV века приобретает прием очень
низкого горизонта (часто даже ниже нижней рамы картины), получивший название
"disotto in su", то есть снизу вверх -- прием, который позволял художнику
блеснуть самыми смелыми ракурсами и создавать резкую иллюзию пространства
(Учелло, Мазаччо). К концу XV века эта страсть экспериментировать
пространством утихает, крайности выравниваются, и в эпоху Высокого
Ренессанса вырабатывается спокойная, уравновешенная схема, при которой
горизонт проходит в самой середине картины. Реакция против классического
стиля (особенно во второй половине XVI века), мистически-иррациональные
устремления маньеристов снова создают популярность высокого горизонта (на
этот раз в сочетании с вертикальным форматом картины). Эпохе барокко
свойственно наибольшее разнообразие в применении горизонта. Отныне художник
свободно и сознательно пользуется всеми ритмическими и эмоциональными
возможностями, скрытыми в выборе горизонта, и в зависимости от темы,
настроения, динамики картины распоряжается всем диапазоном точек зрения, от
самой высокой (словно с птичьего полета) до самой низкой, получившей
прозвище "лягушачьей перспективы". Новый перелом происходит в искусстве
рококо, когда живопись опять обнаруживает тяготение к одному определенному
виду горизонта, и именно к низкому горизонту. На первый взгляд может
показаться, что живописцы рококо возвращаются к излюбленному приему раннего
итальянского Ренессанса. При ближайшем рассмотрении, однако, обнаруживается
очень существенное различие. В живописи кватроченто низкий горизонт
сочетается с крупным масштабом фигур, в картинах рококо, напротив, фигуры
изображаются обычно очень маленькими. Отныне не человек владеет фантазией
живописца, а само пространство, атмосфера, окружение человека, бесконечность
дали и тумана.
Помимо горизонта есть еще одно свойство нашего восприятия композиции
пространства, весьма важное, хотя ему и придают обычно мало значения --
отношение между правой и левой сторонами картины. Мы постоянно сталкиваемся
с этим, когда на экране диапозитив бывает случайно повернут в обратную
сторону. Почему неправильно повернутая репродукция производит такое
неприятное, досадное впечатление? Тут дело не в мелочах (не в том, что на
изображении правая рука стала левой), а в существе композиции, в искажении
ее органического ритма, пространственной логики, последовательности
восприятия.
Рассмотрим для примера одно из самых гармоничных произведений Рафаэля
-- так называемую "Сикстинскую мадонну". Главное направление композиции
образует здесь непрерывную кривую линию. Она начинается в левом углу, от
папской фигуры (или головок ангелов), по фигуре папы Сикста поднимается к
головам Христа и богоматери, затем по изгибам плаща мадонны и опущенным
глазам Варвары возвращается вниз и замыкается. Но стоит только повернуть
композицию в зеркальном направлении, как она сразу теряет все очарование
своего текучего ритма. Нет гибкого взлета, свободного размаха, композиция
как бы тяжело оседает, погружается. Светлое облако у ног Варвары, которое в
оригинале вносит успокоение и завершение, теперь кажется непонятной
пустотой; занавес не поддерживает, а задерживает движение фигур; взгляды
ангелочков обращены как будто мимо главного события.
На сходном ритме композиций построена картина Гольбейна "Мадонна
бургомистра Мейера". И здесь взлет линии совершается слева направо, мягко
завершаясь в изгибах женских фигур. Повернем композицию -- и сразу ритм ее
становится отрывистым, как бы хромает, движения фигур теряют органическую
логику, и глазу приходится преодолевать какие-то препятствия, чтобы
восстановить внутреннее равновесие картины.
Итак, в обоих случаях мы оцениваем ритм композиции в направлении слева
направо. Если мы говорим о поднимающихся и падающих линиях, то именно
постольку, поскольку они начинаются слева и кончаются справа. То же самое и
со светом (живописцы итальянского Ренессанса даже моделировали фигуры
светом, падающим слева) и с красочными отношениями в картине. Но было бы
ошибкой делать отсюда заключение, что и в изображении объективного движения
(процессия, состязание, скачущие лошади) должна господствовать та же
тенденция слева направо. Это неверно: изображение движения в картине может
развертываться во всех направлениях ("Скачки в Эпсоме" Жерико). И тем не
менее правая и левая стороны в картине имеют каждая свои функции, свою
ценность, но не изобразительную, а декоративно-эмоциональную. Правая сторона
картины имеет другую декоративную звучность, иную эмоциональную
насыщенность, чем левая. Можно утверждать, что настроение картины
определяется тем, что происходит в правой стороне-- там композиция говорит,
так сказать, свое последнее олово.
Возьмем офорт Рембрандта "Три дерева". Разве не все равно, где стоят
деревья, справа или слева? Но от их положения меняется все настроение
композиции. У Рембрандта поставлен акцент на деревьях, и это придает целому
характер борьбы, напряжения жизненной энергии. Стоит лишь повернуть
композицию, как она сразу лишается активности и напряжения: деревья теряют
свое значение, обращаются в пассивных статистов, и главный акцент падает
тогда на дали, на уходящие грозовые облака. Напомню еще пример из
голландской живописи XVII века, особенно чуткой к языку настроений, --
картину Янсенса "Женщина с книгой". Картина создает настроение теплого,
интимного уюта; его носители находятся справа: сундук, солнечные зайчики,
туфли; фигура же женщины -- только введение к тишине и покою. Повернем
композицию -- покой и уют исчезают, у картины нет завершения, женщина
неловко, случайно, как потерянная, сидит в комнате.
По-видимому, здесь имеет большое внутреннее значение связь с нашим
оптическим и моторным опытом -- ведь пишем и читаем мы слева направо. Нет
никакого сомнения, что по воле художника мы воспринимаем одну сторону
картины чуть раньше, чем другую, рассматривая ее как начало, другую же --
как завершение. Удивительно, как меняется общее впечатление от таких
различных картин, как "Боярыня Морозова" Сурикова, "Отплытие на остров
Киферу" Ватто, "Петр I" Серова, "Беглецы" Домье, "Похороны крестьянина"
Перова, если мы произвольно изменим направление изображенного в них
движения. В картине Сурикова, например, появляется несвойственный оригиналу
оптимизм. И в любой другой возникает оттенок настроения, на который художник
явно не рассчитывал.
Иными словами, всякая картина развертывается для нас не только в
пространстве, но и во времени. К этой проблеме мы теперь и обратимся: если
мы рассматривали живопись главным образом с точки зрения ее пространственных
ценностей, то теперь попытаемся характеризовать значение времени в концепции
живописца.
Понятие времени, бесспорно, играет огромную роль в жизни современного
человека, в его мировосприятии, в его научном мышлении. Достаточно
вспомнить, что один из крупнейших ученых XX века, Эйнштейн, разработал свою
новую физическую теорию, основываясь на относительности исчисления времени,
и что новый вид искусства из разряда временных искусств -- кино -- был
создан именно в XX веке. Не приходится говорить о том, какое важное место
занимает понятие времени в марксистско-ленинской философии, в методике
диалектического материализма.
"В мире нет ничего, кроме движущейся материи, и движущаяся материя не
может двигаться иначе, как в пространстве и во времени" *. "Пространство и
время -- не простые формы явлений, а объективно-реальные формы бытия" **.
Наши представления о пространстве и времени, будучи относительными на каждой
данной ступени человеческого познания, развиваются, приближаясь к абсолютной
истине. Совершенно естественно, что искусство, которое является одной из
форм общественного сознания, способом освоения мира, средством познания
действительности, оперирует прежде всего и в основном объективными формами
существования материи, то есть категориями пространства и времени.
Можно ли вообще говорить о категории времени применительно к
пластическим искусствам, к произведениям скульптуры, живописи и графики?
Обычно принятое деление искусств на пространственные и временные, то есть на
такие, где образы существуют в пространстве и где они следуют друг за другом
во времени, как будто бы полностью выключает время из сферы архитектуры,
скульптуры и живописи как искусств пространственных. Действительно, образы
живописи и скульптуры не меняются, не развиваются во времени, подобно
музыкальной мелодии или ритму танца. Но значит ли это, что пластическим
искусствам совершенно чужды идея и чувство времени, что с ними невозможно
соотносить понятие динамики, ритма и т. п. Само собой разумеется, что это не
так. Пусть образы пластических искусств неподвижны и неизменны, но они
стремятся и способны воплощать совершенно определенные представления
времени, указывать направление и последовательность движений, внушать
переживания темпа и динамики временного потока. Больше того, можно
утверждать, что именно дыхание времени, исходящее от картины или рисунка,
потенция перемены, чувство становления образа или события, раскрытие их в
статической плоскости придают подлинную жизнь образам живописи и графики,
хотя в действительности они неподвижны. Чем сильнее мы ощущаем в картине
(или рисунке, или рельефе) динамику времени, тем глубже и неотвратимей их
эстетическое воздействие (сравним у Дидро: жизнь и движение фигуры -- две
вещи, совершенно различные. Жизнь есть и в фигуре, находящейся в состоянии
покоя. Художники придают слову "движение" свой особый смысл: они говорят о
фигуре, находящейся в состоянии покоя, что "в ней есть движение" -- это
значит, что она готова задвигаться).
Итак, какие же качества времени (и какими средствами) способны
воплощать изобразительные искусства, в первую очередь живопись и графика?
Что касается средств для воплощения временного начала в живописи и графике,
то очевидно, что их следует искать в фактуре и ритме живописной и
графической плоскости, в направлении и темпе линий, в характере мазка, в
свойствах композиции, в контрастах света и тени и т. п. Об этом я сейчас не
буду говорить. Гораздо сложнее вопрос о содержании тех временных образов,
которые доступны живописи и графике,-- иначе говоря, о самом существе
концепции времени в изобразительном искусстве. Именно к этой стороне вопроса
я бы и хотел привлечь внимание.
Здесь мы сразу же наталкиваемся на основное противоречие проблемы. Нет
сомнения, что главным показателем времени в изобразительном искусстве
является движение. Но могут ли живопись и графика, искусства статические по
самой своей природе (холст, стена, плоскость бумаги), изображать движение?
Совершенно очевидно, что это возможно только посредством радикального
компромисса (отмечу мимоходом, что именно эта-то относительность движения в
живописи и привлекает более всего творческую фантазию живописцев). В самом
деле, если картина изображает неподвижное состояние, то ее статическая
структура находится в известном равновесии с реальным содержанием
изображения. Но как только задачей живописца становится изображение
какого-либо процесса движения, так неизбежно возникает противоречие между
неподвижным и неизменным изображением и транзитивным характером
изображенного движения. Противоречие еще более заостряется, когда живописцу
приходится иметь дело с комбинацией нескольких движений, с их различными
темпами и последовательностью. Одним словом, когда картина должна
интерпретировать некое действие, некое событие. В этом случае невольно
напрашивается вопрос, обладает ли живопись достаточными средствами для
воплощения события не только в его пространственных, но и временных
свойствах? Мы знаем, например, что Лессинг это категорически отрицал. В
шестнадцатой главе своего трактата "Лаокоон" Лессинг между прочим пишет:
"Если это верно, что живопись использует совершенно иные средства или знаки,
чем поэзия (первая пользуется телами и красками в пространстве, вторая --
звуками, произносимыми во временной последовательности), то в таком случае
знаки, которые помещены рядом, могут изображать только предметы, находящиеся
рядом, и, напротив,--
__________________
* Ленин В. И. Материализм и эмпириокритицизм. -- Поли. собр. соч., т.
18, с. 181.
** Там же.
знаки, которые следуют один за другим, могут воплощать только следующие
один за другим явления. Иначе говоря, истинное содержание живописи --
видимые тела, и истинное содержание поэзии -- действие". И дальше Лессинг
пишет: "По своим композиционным принципам живопись способна использовать
только один момент действия, и поэтому она должна избрать момент наиболее
ясный, из которого всего легче понять прошедшее и последующее". Родственные
мысли высказывает Дидро: художник располагает только одним мгновением и не
имеет права объединять два мгновения, как и два действия. Только при
некоторых обстоятельствах возможно, не идя вразрез с истиной, напомнить
предшествующее мгновение или дать предчувствовать последующее.
Эти очень спорные положения Лессинга и Дидро, отражающие концепцию
просветителей, сразу вводят нас в сущность проблемы. По мысли Лессинга,
живопись способна изображать только один момент действия. Так ли это? Всегда
ли так было? И, главное, что означает термин "момент действия"? Неоспоримое
ли это и вполне однозначное понятие? Если мы обратимся за разъяснениями к
философам и выберем наугад несколько дефиниций, то окажется, что между ними
нет никакого единогласия в этом вопросе. Есть философы, которые отрицают
какую-либо длительность момента и сравнивают его с математической точкой.
Есть другие, для которых переживание момента всегда заключает в себе
элементы уходящего прошлого и приближающегося будущего. Философ У. Джемс еще
более подчеркивает эту мысль сравнением "не острие ножа, а спинка седла".
Эти разногласия побуждают некоторых философов строже различать понятия
"настоящее время" и "теперь". Наконец, следует напомнить, что Платон в
"Пармениде" называет момент чудесным существом, которое не пребывает во
времени (не удивительно, что Платон, как и ряд других греческих философов,
сближает момент с вечностью).
Совершенно очевидно, что эти разногласия ученых не являются только
результатом расхождения индивидуальной философской мысли, но отражают более
общие предпосылки мировоззрения, характерные для той или иной эпохи, для
того или иного философского направления; что мы имеем здесь дело со сложной
и противоречивой эволюцией представлений о времени, о движении и действии,
моменте и вечности, прошлом и настоящем.
Мне бы хотелось теперь вкратце проследить основную линию этого развития
на некоторых узловых этапах в истории художественного творчества и
философской мысли. Этим сопоставлением искусства и философии я отнюдь не
утверждаю тождественности или параллелизма в их развитии, а лишь отмечаю
некоторые особенно яркие созвучия и совпадения, позволяющие глубже
проникнуть в саму сущность проблемы времени в искусстве. Я не буду
останавливаться на искусстве Древнего Востока. Египетский рельеф и
египетская живопись еще не знают единства места и единства действия. Глубину
египетский художник отождествляет с протяженностью (изображение пруда),
поток времени он мыслит в виде разрозненных этапов действия (охота на уток,
где охотники в одном ряду тянут сеть стоя, в другом -- лежа). На аналогичной
стадии развития в известном смысле находится и греческое искусство эпохи
архаики. Об этом свидетельствуют не только памятники архаического рельефа и
вазовой живописи, но эволюция представления времени в греческой поэзии и
философии. Так, все понятия, которые Гомер применяет для обозначения
времени, имеют в виду не столько последовательность и длительность времени,
сколько предметную, вещественную связь событий. Время в развертывании самой
поэмы для Гомера реальней, чем время, о котором она повествует. Только у
Пиндара впервые можно наблюдать более развитое представление о времени. При
этом характерно, что Пиндар рассчитывает время только вперед, время для него
олицетворяет движение в будущее, но никогда не обозначает ни текущего
настоящего, ни уходящего прошлого. Окончательный перелом в сознании времени
происходит только у Эсхила, когда понятие включает в себя всю
последовательность событий. Вcпомним современника Эсхила Гераклита, для
которого мир находится в вечном процессе возникновения и уничтожения: "Все
течет, все изменяется".
Концепция времени у великих греческих трагиков находит себе полную
аналогию в греческом искусстве классического периода -- аналогию, особенно
красноречиво воплощенную во фронтонах Парфенона, где достигнуто то единство
действия, которое не было знакомо ни древневосточному искусству, ни
греческой архаике. Следует, однако, подчеркнуть, что единство греческой
драмы (как в классической фронтонной композиции) имеет характер скорее
причинной, чем пространственной и временной связи. Единство времени и места,
как известно, было требованием не греческих трагиков, а итальянских
гуманистов XVI века (Чинтио и Кастельветро). Фронтоны Парфенона представляют
собой не реальную арену действия, а как бы отражение всей небесной сферы;
события, в них изображенные, совершаются не в определенные отрезки времени,
а словно в круговороте вечности. Подобно тому как для греческих философов
пространство не имело самостоятельного бытия, а время было только числом,
атрибутом движения, так и греческому искусству было чуждо сознание глубины
пространства и исторического времени.
Новый этап в развитии понятия времени развертывается на базе
средневекового мировоззрения, подготовленного в известной мере позднеримской
и эллинистической культурой. Однако античный принцип единства действия
оказывается утерянным, и ему на смену приходит новое понимание времени как
ритмического и эмоционального потока в становлении образа. Первые симптомы
нового представления о времени намечаются уже у Плотина, определяющего время
как жизнь души, как некую духовную энергию. Дальнейшее развитие эти мысли
получают у Августина, анализирующего незнакомые античной философии оттенки
субъективного переживания времени -- ожидание будущего, созерцание
настоящего, воспоминание о прошлом и впервые приходящего к сознанию
"исторического времени" (жизнь человечества мыслится Августину
развертывающейся в потоке времени между сотворением мира и Страшным судом).
Еще дальше идет Дуне Скот, устанавливая существенное различие между временем
пережитым, субъективным и объективным, материальным временем вещей и
движений.
В изобразительных искусствах это новое понятие времени находит отклик в
целом ряде своеобразных приемов рассказа и композиции. В представлении
средневекового человека пространство и время не дифференцированы:
пространство понимается через время как некий одномерный поток. Отсюда
радикальное отличие средневековых принципов композиции в живописи и рельефе
от античных, классических. Вместо центрической, уравновешенной схемы
античного искусства средневековая композиция развертывается обычно в одном
направлении -- слева направо или наоборот, подобно чередованию письмен.
Основной принцип рассказа в средневековом искусстве заключается в
сопоставлении на одной и той же плоскости изображения не одного, а
нескольких событий или действий. Зритель вместе с главным героем как бы
переходит из одного этапа событий в другой, подобно зрителю так называемой
симультанной сцены. Ярким примером средневековой схемы рассказа может
служить рельеф "Грехопадение" из цикла рельефов, украшающих бронзовые двери
Гильдесгеймского собора. Средневековый мастер изображает не
концентрированный момент события, как это сделал бы художник Ренессанса, а
его временную последовательность, причем одно и то же яблоко отмечает
главные этапы действия: вначале яблоко висит на дереве, затем змей прельщает
им Еву. Ева берет яблоко, передает его Адаму. Адам же сначала протягивает
одну руку за яблоком, а затем в другой руке уже держит запретный плод.
Та же идея становления во времени господствует в готической архитектуре
(пучки колонн, сбегающиеся в вершине ребра свода, устремление ввысь) и
скульптуре. Готическая статуя полна непрерывного, витального движения; это
движение бездейственно, оно совершается без перемещения в пространстве, но
все тело статуи насыщено неудержимым стремлением вверх, словно отрывающим
статую от земли. Греческому "движению действия" готика противопоставляет
"эмоциональное движение".
Однако средневековому человеку еще чуждо понятие единства времени,
сознание одновременности действия. Для него еще не существует того
принципиального контраста между языком живописи и языком поэзии, которому,
как мы видели, такое важное значение придавал Лессинг. Это расхождение
впервые проявляется в эпоху Ренессанса, когда протяженность пространства
оказывается полностью в распоряжении пластических искусств, тогда как
временная последовательность отходит в сферу поэзии. Художественная теория
Ренессанса, в известной мере возвращаясь к античному единству действия,
требовала от изобразительного искусства, от картины прежде всего именно
единовременного охвата всего поля зрения. "Живопись,-- говорит Леонардо, --
должна в одно мгновение вложить в восприятие зрителя все свое содержание".
Стремясь к новому, симультанному единству, художники Ренессанса изобрели
целый ряд приемов, незнакомых средневековому искусству. Сюда относится,
прежде всего, центральная перспектива -- одно из самых мощных средств
концентрации впечатления. С изобретением же центральной перспективы связаны
единство масштаба, чуждое готике, созвучие пропорций, завоевание глубины
пространства.
Однако гипноз средневекового сукцессивного метода был так велик, что он
упорно продолжал воздействовать на воображение живописцев даже и в тот
период, когда уже были полностью выработаны новые приемы симультанного
единства. В течение почти всего XV века, а в некоторых случаях и еще
позднее, генетический, сукцессивный рассказ продолжает существовать рядом с
центральной перспективой. Напомню несколько примеров. "Давид", приписываемый
Андреа дель Кастаньо: праща с камнем еще раскачивается в руке Давида, но
отрубленная голова пораженного пращой Голиафа уже лежит у ног победителя.
Фреска из цикла Беноццо Гоццоли, посвященного жизни блаженного Августина: в
левой части фрески рассказывается, как отец и мать Августина приводят
мальчика в школу; направо маленький Августин изображен на спине старшего
школьника и учитель обрабатывает его розгами; в центре картины Августин, уже
подросший, стоит погруженный в размышления, с тетрадкой и пером в руках, а
его товарищ через плечо заглядывает в тетрадь; наконец в глубине, под
аркадами, изображена шумная жизнь школы. Сукцессивный метод рассказа
сочетается у Гоццоли с единством места и с новым представлением пространства
-- единой точкой схода, единым источником света и единством масштаба.
Подобный компромисс двух противоположных методов не мог удовлетворить
мастеров Высокого Ренессанса, стремившихся к логическому и тектоническому
синтезу изображения, к симультанной концепции, которая требовала, чтобы в
картине было воплощено только одно событие, происходящее в одном
пространстве. "Тайная вечеря" Леонардо является классическим образцом
симультанной концепции Высокого Ренессанса, соединяющей единство места с
единством действия. Я не буду анализировать приемы, которыми Леонардо
достигает здесь изумительной драматической концентрации. Следует, однако,
подчеркнуть, что композиция Леонардо лишена подлинной динамики текучего
мгновения. Леонардо только суммирует отдельные, изолированные действия,
индивидуальные движения, вызванные единой причиной -- словами Христа: "Один
из вас предаст меня". Иначе говоря, единства места и действия,
единовременности события Леонардо достигает лишь ценой потери динамики
времени.
Время на картинах классического стиля как бы останавливается. Для
художников Высокого Возрождения движение есть не что иное, как смена
неподвижных положений. На их картинах изображены не столько сами движения,
сколько выхваченные из потока времени остановки, перерывы между движениями.
На память невольно приходит поразительная аналогия между концепцией Леонардо
и размышлениями философов Ренессанса. Так, например, Николай Кузанский,
мысли которого предвосхищены одним из выдающихся представителей
средневекового материализма, Уильямом Оккамом, определяет покой как
"пограничный случай движения", движение же представляется ему как
"чередование неподвижных положений". Иначе говоря, человек Ренессанса мыслил
движение как переход из одного неподвижного состояния в другое.
Во второй половине XVI века происходит новый важный перелом в
представлениях времени и пространства. Если концепцию времени в искусстве
Ренессанса можно назвать статической, то концепцию барокко следует
квалифицировать как динамическую. Ренессансная теория искусства
удовлетворялась описанием различных типов движения и определением их
функций. Теоретикам маньеризма и особенно барокко, возрождающим некоторые
тенденции средневековой мысли, этого недостаточно. Их занимает вопрос о
причинах движений, о силе, энергии, лежащей в основе движения.
Контраст мировоззрений в этом смысле особенно ярко отражается на
эволюции космогонии. Коперник ставит своей главной целью установить для всех
астрономических явлений единый, общий геометрически-механический закон. Свою
задачу он считает выполненной, если ему удастся определить положение солнца,
планет и земли в космосе и вычислить их взаимные движения. Кеплер идет
гораздо дальше и спрашивает о причине этих движений, выдвигает понятие силы.
У него геометрически-механическая гипотеза превращается в причинную
проблему: "Никакие тайны природы нельзя раскрыть одними геометрическими
законами, если не удается найти заложенную в их основе причинную связь".
Наряду с проблемой силы, причины движения, искусство барокко выдвигает,
может быть, впервые, проблему темпа движения, скорости времени. О темпе в
живописи можно говорить в самом различном смысле. Прежде всего сюда
относится большая или меньшая стремительность самих средств изображения:
например динамика мазка или скорость линейного ритма. Чувства темпа,
динамики явления или события могут быть внушены, далее, характером
композиции, контрастами света и тени, быстрым сокращением пространства и
изобилием ракурсов -- одним словом, спецификой восприятия натуры и ее
перевоплощения. Наконец, не менее важное значение может иметь и самое
содержание изображенных событий или явлений, их характер, эмоциональный тон,
число, взаимные отношения и т. п. Во всех этих направлениях искусство
барокко по сравнению с классическим стилем стремится к большей динамике, к
разнообразию и ускорению темпов.
Есть, однако, еще одна особенность в концепции времени, которая
принципиально отличает барокко от Ренессанса. Дело в том, что необходимо
различать два измерения времени -- последовательность и одновременность.
Время привыкли мыслить движущимся в одном направлении, как прямую линию,
нанизывающую одно за другим чередующиеся события. Однако если бы это было
действительно так, то человек был бы неспособен в одно и то же время
переживать несколько объектов сознания. Опыт же учит нас, что мы можем
одновременно воспринимать зрительные и слуховые впечатления, способны
одновременно говорить об одном и думать о другом и т. д. Такая же
одновременность разного, бесспорно, присуща и объективному времени. Все это
означает, что у времени есть не только протяженность, но и "объем", или,
выражаясь иначе, время развертывается по меньшей мере в двух измерениях.
Именно это сознание многомерности времени и отличает искусство барокко от
искусства Ренессанса. В первый момент такое противопоставление может
показаться неубедительным. Ведь я только что характеризовал концепцию
классического искусства как единовременную, то есть основанную на некотором
разрезе временного объема. Однако если мы сравним единовременность
Ренессанса и барокко, то заметим, что в картинах Высокого Ренессанса речь
всегда идет только об одном событии и о полном единообразии всех составных
элементов этого события (например, мимика всех апостолов в "Тайной вечере"
Леонардо концентрируется только на словах, произнесенных Христом), напротив,
барочная картина часто изображает одновременность нескольких различных
событий и переживаний.
Особенно яркие примеры в этом смысле дает творчество Тинторетто,
например картина из цикла, посвященного св. Марку, в галерее Брера. В
отличие от художников классического стиля Тинторетто охотно избирает сложные
сюжеты и стремится сделать их еще более сложными. В то время как в подземной
крипте отыскивают тело святого, вынимая из саркофага один труп за другим,
является сам святой, чтобы указать, где находятся его останки, и при его
появлении злой дух покидает бесноватого. Своды крипты убегают в резком
сокращении перспективы; фигура святого, вырастающая из угла, острый ракурс
трупа на переднем плане, судороги бесноватого, испуг свидетелей события --
все наполняет картину чуждой Ренессансу стремительностью. Самое же главное
завоевание Тинторетто заключается в том, что он осмеливается в одно и то же
время изобразить целую вереницу событий, которые, перекликаясь между собой,
еще усиливают стремительность темпа. Если средневековый живописец изображал
в одной картине разновременные события, если живописец Высокого Ренессанса
во имя единства места и действия ограничивался одним событием, то Тинторетто
стремится зафиксировать в картине одновременность разных событий.
Еще ярче этот прием воплощен в "Тайной вечере", которую Тинторетто
написал для церкви Сан Тровазо. Невольно напрашивается сравнение с "Тайной
вечерей" Леонардо. Вместо длинного стола, параллельного плоскости картины,
здесь стол помещен под углом и апостолы сидят кругом стола, иные из них
скрыты в тени, другие повернулись к зрителю спиной. Вместо индивидуально
характеризованных образов, которые зритель должен изучать по отдельности,
здесь общий и одновременный наплыв чувств, которые зритель и воспринимает
как нечто целое. Особенное внимание привлекает выразительная фигура Иуды.
Пораженный словами Христа, полный смятения, он опрокидывает стул и, желая
скрыть свое замешательство, одновременно хватается за бутылку и бокал вина.
Такой психологической компликации, подобной одновременности противоположных
чувств, мы тщетно стали бы искать в живописи Ренессанса.
О том, что здесь проявляются не только специфические черты творческой
фантазии Тинторетто, но и общие тенденции эпохи, свидетельствуют также
близкие аналогии в живописи младшего современника Тинторетто -- Федериго
Бароччи "Madonna del Popolo" 1579 года. Не входя в подробный анализ этой
чрезвычайно поучительной для мироощущения эпохи картины, отмечу только
характерную для ее композиции двойственность точки зрения: небесное явление
написано, в сильном ракурсе снизу, земная сцена -- в столь же резком ракурсе
сверху. Картина, таким образом, как бы раздваивается на два пространства и
два времени, но вместе с тем она объединена единым потоком композиции, так
что зритель одновременно оказывается наверху и внизу, и в небе и на земле.
Эта сложная динамика эмоций, эта одновременность разного пронизывает все
детали композиции: в левом нижнем углу картины молодая мать призывает детей
к созерцанию чуда, их ручки сложены в молитве, но внимание мальчугана
целиком поглощено уличным музыкантом, а девочка следит за братом.
Так Тинторетто и Бароччи кладут основу дальнейшему развитию временной
концепции в европейском искусстве. Если искусство Ренессанса достигло
синтеза, как бы жертвуя временем, то теперь пространство все более
насыщается временем, приобретая его стремительность и изменчивость. С каждым
новым этапом возрастает эта динамизация пространства. Если в живописи
Тинторетто динамика относится только к действию, фигурам, то постепенно она
начинает охватывать и среду, окружающую фигуры, наполняет и воздух, и свет,
и всю поверхность картины своей эмоциональной энергией.
Напомню только два примера. В "Пряхах" Веласкеса одновременность
разного (темное рабочее помещение ткачих и пронизанный серебристым светом
парадный экспозиционный зал) воплощает не только оптический, но и социальный
контраст изображенного явления. В картине Рембрандта "Синдики" концепция
времени, понимание момента действия становятся настолько многосторонними,
что замысел художника охватывает в одном временном потоке и видимое зрителю
многообразие характеров в президиуме гильдии суконников, и невидимую, но
ощущаемую причину их возбужденной реакции -- общее собрание членов гильдии
(замысел, вряд ли возможный в живописи Ренессанса).
Я не буду подробно останавливаться на развитии концепции времени в
искусстве XVII века. Отмечу только, что для философской мысли этого времени
"пространство" -- понятие все же более близкое, доступное, обладающее более
объективными свойствами, чем "время". Так, например, Декарт понимает
пространство как субстанцию, а время -- только как modus rerum (мера вещей),
только как одно из условий познания вещей, а английский представитель
механистического материализма Гоббс считает, что время существует не в вещах
вне нас, а только в мышлении нашего разума. С другой стороны, Ньютон
приходит к выводу, что пространство и время обладают объективным характером
и не зависят от человека и его сознания.
Чрезвычайно утонченный анализ нюансов времени, его непрерывного потока
мы находим в философии и искусстве начала XVIII века. Мне хочется
остановиться сейчас на своеобразных созвучиях, которые можно установить при
сравнении искусства Ватто, тончайшего мастера эмоциональных и красочных
оттенков, и философии Лейбница, одного из самых острых мыслителей позднего
барокко, соединяющего идеализм и метафизику с диалектической идеей о
движении материи и о взаимосвязи всех форм проявления жизни.
В этом смысле особенного интереса заслуживает теория бессознательных
представлений, выдвинутая Лейбницем. Различие между осознанными и
неосознанными представлениями Лейбниц иллюстрирует на примере морского
прибоя: шум моря возникает из отдаленных ударов волн; каждый из этих
отдаленных шумов слишком ничтожен для слуха, хотя мы и воспринимаем их, но
не осознаем в виде отдельных, отчетливых представлений. Точно так же и в
нашей душевной жизни существует много неясных, скрытых, словно дремлющих
представлений, которые Лейбниц называет "малыми представлениями"
(perceptions petites) и которые слишком незначительны для того, чтобы
проникнуть в наше сознание,-- это как бы атомы человеческой души. Учение о
"малых представлениях" Лейбниц дополняет еще одним, весьма характерным для
эпохи наблюдением. "Подобно тому как один и тот же город, рассматриваемый с
разных сторон, каждый раз кажется иным, так и весь мир производит
впечатление многих миров, хотя в действительности есть только различные
точки зрения, различные перспективы единого мира".
Эта идея Лейбница о бесчисленных точках зрения на вселенную, о "малых
представлениях", о неуловимых, недоступных ясному сознанию ощущениях
оказывается чудесным образец воплощенной в рисунках и картинах Ватто. Один
из излюбленных приемов Ватто -- рисовать одну и ту же фигуру в различных
позах и поворотах или же, что особенно интересно, в одном и том же повороте,
но с разных точек зрения. Например, фигура скрипача дважды нарисована в
одной и той же позе, но с чуть заметными поправками и перестановками для
фиксации наиболее экспрессивного момента движения или -- фигура сидящей
дамы. Каждый раз она опирается иначе; подобно киноленте, мы видим ее в
процессе непрерывного движения. Но особенно пленительна страница альбома с
набросками женской головы: художник словно обходит ее кругом, нащупывая
малейшие изменения формы.
Ватто не любит ни чистого профиля, ни прямого фаса; его не
удовлетворяют даже более сложные повороты головы в три четверти. В рисунках
и картинах Ватто головы изображены в неощутимых полуповоротах, чуть
уловимых, "уходящих" профилях, в тех тончайших нюансах немного снизу,
немного сверху или сбоку, которые в обычной жизни ускользают от сознания
даже очень острого наблюдателя. В рисунках и картинах Ватто мы воспринимаем,
однако, не только физическую неуловимость образа, но столь же сложные и
утонченные градации душевных переживаний: вместе с поворотами и наклонами
женская голова становится то надменной, то радостной или взволнованной. В
каждом из этих поворотов, в каждом новом движении губ или глаз скрыто новое
эмоциональное содержание.
Это удивительное чутье к неуловимым, недосказанным впечатлениям,
обостренная способность воспринимать временные процессы приводят
валансьенского мастера еще к одному важному открытию. Вспомним еще раз
композиции Тинторетто. Как бы ни были стремительны его ракурсы, неожиданны
его взрывы света, противоречивы действия и движения его героев,-- взятые
вместе, они все же фиксируют некую остановку в потоке времени. Картина
Тинторетто -- это некая застывшая мимика действия, не имеющая продолжения ни
в прошлом, ни в будущем. Это время, у которого, так сказать, есть темп, но
нет ни длительности, ни непрерывности. На этой ступени, достигнутой
Тинторетто, европейская живопись остается, в сущности, на протяжении всего
XVII столетия.
На рубеже XVIII века происходит перелом, находящий отклик в философии и
изобразительном искусстве. Кларк в переписке с Лейбницем отмечает, что
недостаточно толковать время как чередование, последовательность, так как
при изменении содержания времени длительность процесса может быть весьма
различной. Эти размышления приводят к открытию двух очень важных, чуждых
философии XVII века признаков времени -- непрерывности и длительности (в
смысле продолжения прошлого в настоящем и будущем).
Именно эти свойства времени и стремится воплотить живопись Ватто.
Всматриваясь внимательно в картину Ватто "Рекруты", мы замечаем, что она
изображает, в сущности говоря, не столько группу новобранцев, сколько одну и
ту же пару рекрутов, но показанную в смене различных моментов движения.
Мастерски используя смену то последовательных, то противоречивых поворотов,
Ватто достигает впечатления того текучего движения, того чарующего
музыкального ритма, которые до него были недоступны европейской живописи.
Еще увлекательнее эта идея воплощена в знаменитой картине Ватто
"Отплытие на остров Киферу". Картина изображает пары влюбленных; окруженные
летающими амурами, они спускаются с холмов и направляются к лодкам.
Композиция развертывается с двух сторон, но главное движение начинается
справа, у гермы Венеры. Это движение трех парочек воплощает постепенное
нарастание одного и того же эмоционального мотива. Вначале -- нежное
"пианиссимо": кавалер красноречиво убеждает робкую возлюбленную двинуться в
путь, но .сопротивление еще не сломлено, и в игру приходится вмешаться
самому Эроту в бархатной курточке. Следующее звено -- борьба еще
продолжается, но красавица уже протягивает руки кавалеру, готовому привлечь
ее к себе. Наконец, последний, заключительный этап: колебания исчезли, и
кавалер увлекает за собой даму, бросающую прощальный взгляд на подруг. Это
чудесное нарастание единой эмоции как бы в непрерывной смене времени
приобретает своеобразный привкус сладкой меланхолии благодаря тому, что
действие удаляется от зрителя в глубину. Они, эти счастливые парочки в
предчувствии беззаботных часов любви,-- они так близки нам, так ощутимы; но
вот они удаляются, исчезают вместе с последними лучами солнца, и зритель
остается в одиночестве, ловя замирающие в отдалении звуки смеха и шепота.
Этот удивительный оттенок концепции Ватто следует особенно подчеркнуть: быть
может, впервые в истории живописи Ватто удалось воплотить образ уходящего,
исчезающего в прошлое, невозвратного времени.
Новый перелом в концепции времени совершается в начале XIX века. Уже
Кант относил пространство и время к категориям не рассудка, а созерцания,
связывая их только с миром явлений (не "вещей в себе") и ограничивая их роль
функцией познающего субъекта. Этот субъективизм в концепции времени в еще
более подчеркнутой форме выступает у немецких идеалистов XIX века, сплетаясь
со своеобразной тенденцией снижения времени. Так, Гегель определяет время
как форму созерцания, как нечто негативное, как бытие в постоянном
самоупразднении (Sichaufheben). Точно так же Шопенгауэр рассматривает время
как форму, обнаруживающую человеку все ничтожество его стремлений.
Пространство для него -- утверждение, время -- отрицание существования. Это
"деклассирование" времени, свойственное мировоззрению начала XIX века,
связано с открытием все новых и новых его свойств, с превращением времени в
демоническую силу, иррационализирующую действительность,-- одним словом, с
прямо противоположной тенденцией сублимирования времени, все усиливающейся к
концу века.
В изобразительных искусствах все эти противоречия мировосприятия,
связанные с ростом субъективизма и идеализма и с их борьбой против
диалектического материализма, находят очень яркое отражение. Одну из
основных тенденций живописи XIX века можно было бы характеризовать как
стремление подчинить пространство времени или, выражаясь точнее, наделить
представление пространства свойствами времени (Гегель: "Rau ist etwas
Zeithftes", Бергсон: "Проекция времени в пространстве"). Первые симптомы
нового понимания времени можно наблюдать уже у Жерико, и притом в двояком
направлении. С одной стороны, как ускорение темпа восприятия, как
изображение скорости, как подчеркивание в движении переходящего элемента,
одним словом, превращение "настоящего времени" в "теперь", "сию секунду"
(пример -- "Скачки в Эпсоме"). С другой стороны, как направленность времени,
его приближение и удаление, как переживание времени (время -- ожидание,
время -- воспоминание или мечта). Примерами могут служить "Плот "Медузы" --
картина, целиком проникнутая чувством острого ожидания спасательного брига,
вся построенная именно на направленности времени и стремлении человека его
ускорить, перескочить через его неуловимые звенья, -- и замечательный
"Портрет художника", в котором не только образ самого человека, но и все
окружение -- светлая стена, череп, статуэтка, срезанная рамой, -- явно
изъято из настоящего и живет или в прошлом, или в будущем. Жерико своим
творчеством как бы предвосхищает два пути (или метода) в развитии новой
европейской живописи (я говорю о путях, разумеется, лишь с точки зрения
концепции времени, но они могут получить и более широкое истолкование -- в
смысле двух обликов реализма в живописи XIX века).
Один путь, или метод, построен на ощущении времени и ведет к обострению
симультанного, мгновенного восприятия. Этот метод получил свое теоретическое
обоснование уже у Делакруа, в одном образном выражении, брошенном им в
письме к Бодлеру: "Если художник неспособен нарисовать человека, падающего
из окна четвертого этажа, то он никогда не научится изображать движение".
Своего наивысшего выражения этот метод достигает в творчестве французских
импрессионистов, для которых быстрота и одновременность восприятия служили
гарантией оптического единства картины. Я ограничусь только одним примером,
легче всего позволяющим сравнивать импрессионистов с мастерами барокко и
Ренессанса, примером из области, если так можно выразиться,
импрессионистической фабулы,-- "Завтрак" Ренуара. Одна из дам держит рюмку
ликера как бы в перерыве между двумя глотками. Ее партнер что-то
рассказывает, и на самом интересном месте его папироса потухла. Он ее вновь
зажигает, прищурив глаз и чуть заметно улыбаясь, в то время как дама в
черном приподнялась в ожидании развязки анекдота. Еще никогда во всей
истории живописи событие, если только вообще в картине Ренуара может идти
речь о событии, не было столь мимолетным и преходящим.
Другой путь, или метод, ведущий к переживанию времени, к его
эмоциональному тону, к его специфическому содержанию, был избран русской
живописью. Возможности этого пути гениально наметил уже Александр Иванов.
Его "Явление Христа народу" не случайно показывает приближение Мессии
издали: оно наполнено напряженным чувством ожидания не только в смысле
расстояния в пространстве, но еще больше в смысле дистанции во времени. С
огромной силой трагический образ неумолимого времени развернут в некоторых
эскизах А. Иванова. В одном из них мастер показывает не физический путь
Христа на Голгофу, а тот эмоциональный путь ожидания и страха, предчувствия
и отчаяния, который его сопровождает, не место действия, а время
переживания. Именно это глубокое проникновение в идейный смысл и в
эмоциональное содержание времени и подняло на такую небывалую высоту русскую
историческую живопись.
В творчестве Сурикова и Репина, Серова и Рябушкина воплощены все
аспекты времени, все разнообразие его темпов, вся его многомерная сложность
-- от широкой волны социального времени в "Утре стрелецкой казни" до
остроиндивидуального переживания момента в "Иване Грозном", от
невозвратности прошлого через стремительный поток настоящего ("Петр I"
Серова) к неотвратимому будущему. Примеры слишком хорошо известны, чтобы на
них задерживаться. Напомню только два блестящих образца этого удивительного
чутья эмоциональной динамики времени, свойственного русской живописи, --
образцы, в которых острое переживание времени, его специфического тембра
входило в непосредственный замысел художника,-- это "Не ждали" Репина и
"Едут" Рябушкина.
Наряду с двумя основными течениями в концепции времени,
характеризующими эволюцию европейской живописи XIX века, уже с самого начала
столетия намечается третье течение, все более крепнущее и в конце XIX века
захватывающее господствующее положение. Если первым двум течениям свойствен
некий синтез, известное равновесие пространства и времени, то третий метод,
который следовало бы назвать "антииространственным", характеризуется
тенденцией к поглощению пространства временем, к иррационализации
пространства и света.
Самые ранние симптомы этой тенденции мы найдем уже у романтиков начала
XIX века -- в графике Блейка, в живописи Рунге. Композицию "Утро" Рунге
строит как будто по принципам перспективного пространства, но в то же время
он сознательно нарушает эти принципы, объединяя фигуры и группы в
"сверхпространственную" арабеску. Впечатление несоизмеримости пространства
подчеркнуто трактовкой света в виде иррациональных полос, проходящих сквозь
предметы и "отнимающих" у них телесность.
Если в композиции Рунге можно говорить лишь о симптомах нового
мировосприятия, то на рубеже XIX--XX веков, в период разложения буржуазной
культуры, этот "антипространственный" метод, это стремление эмансипировать
время от пространства, этот культ времени достигает своего наивысшего
расцвета. Достаточно прислушаться к словам Бергсона или Шпенглера, явно
оценивающих время выше пространства. По мысли Шпенглера, "время создает
пространство, пространство же убивает время". Для Бергсона пространство есть
только "фантом времени", подменяющий качество количеством, все живое
превращающий в царство теней. Главную ценность времени -- внутреннюю
динамику, слитное единство -- пространство дробит в чередование и смежность.
В области художественной культуры эти тенденции находят отклик в самых
разнообразных направлениях. Стоит напомнить, что именно в эти годы
происходит выделение нового, самостоятельного вида временного искусства --
кино, что к тому же периоду относятся первые триумфы плаката и формирование
специфического плакатного стиля, основанного на произвольной игре масштабов,
на внезапных прыжках в пространстве и во времени, на сочетании факта и
символа, на противоречии точек зрения.
Стремление к "антипространственному" методу ярко проявляется в движении
"Jugendstil'a" и в концепции символистов. В картине "День" (1900) Ходлер
противопоставляет мгновенному восприятию импрессионистов космический,
"вечный" ритм времени. Попав в это заколдованное кольцо непрерывного
вращения, уже немыслимо из него освободиться: человеческие фигуры, пейзаж,
пространство -- все растворяется в безличном потоке времени, в беспощадной
мерности его ритма.
Своего апогея культ времени достигает в концепции футуристов. Некоторые
картины итальянского футуриста Руссоло поразительно созвучны размышлениям
Бергсона о времени, его "dur e", той внутренней динамике, которая, по мысли
французского философа, превращает пространственную смежность событий в их
взаимопроникновение. Картина Руссоло "Воспоминание одной ночи", лишенная
всякого пространственного единства, построена именно на тщетном стремлении
создать целостность внутреннего переживания во времени.
Оглядываясь назад, на бегло пройденный нами путь, мы видим, как
неисчерпаемо разнообразны могут быть аспекты времени в изобразительном
искусстве, как непрерывно меняются представления времени в смене эпох и
стилей. Есть эпохи, которым проблема времени близка и родственна, и есть
другие, которым она более чужда. Есть эпохи, более тяготеющие к стабильности
пространства, и другие -- более проникнутые динамикой времени. Но при всей
изменчивости этой эволюции некоторые выводы вытекают из нее с достаточной
ясностью.
Прежде всего, не подлежит сомнению, что представление времени является
неотъемлемым элементом, важнейшим творческим стимулом в концепции живописца
и графика, сообщающим подлинную жизнь их образам. Далее намечается
последовательная эволюция мировоззрения в сторону все более тесного слияния
времени и пространства, их неотделимости. Что касается отдельных звеньев
этой эволюции, то следует подчеркнуть, во-первых, что более передовые эпохи
и направления в истории мировой культуры склонны оценивать время и
пространство как объективные формы бытия материи, более реакционные -- как
продукты человеческого мышления; и, во-вторых, что в период сложения нового
стиля, нового миросозерцания проблема пространства явно преобладает над
проблемой времени, тогда как интерес к динамическому темпу, к становлению,
многомерности событий и явлений обнаруживается лишь на более поздних стадиях
эволюции (сравним Караваджо и Гальса, Давида и Делакруа).
В заключение после техники и стилистики обратимся также к
мировоззренческим проблемам живописи, к ее тематике, идейному содержанию и
т. д. Проблема времени, по существу, уже вводит нас в этот круг вопросов.
Еще ближе к нему мы подойдем на анализе какой-нибудь тематической области
живописи. Целесообразно начать наш обзор с исторической картины. Почему
именно историческая картина дает для этого наилучшие возможности? Потому что
ей свойствен самый широкий диапазон: изображение человека и его окружения,
пейзажа, драматического действия, психологии героев (здесь могут
присутствовать черты портрета и жанра), многофигурной композиции. В
исторической картине явственно выступают социальные предпосылки и идеи
времени; давая художественное осмысление истории, она тем самым с особенной
полнотой обнаруживает отношение художника к жизни и развитию общества.
Историческая картина в принципе изображает исторически значительное
событие, существенный момент в жизни человечества. При этом тема
исторической картины не непременно почерпнута из прошлого (может быть, и из
настоящего), она не непременно опирается на факт -- это может быть легенда,
миф, поэтическое произведение. Но историческая картина всегда изображает не
частную жизнь, а общественное событие; она является не столько иллюстрацией
или реконструкцией истории или хроникой, сколько ее художественным
истолкованием.
В свое время историческую живопись поднял на щит академизм, но он же
засушил, умертвил ее. Начиная с Милле и Курбе, передовые зарубежные
художники, отчасти именно поэтому, проявляют отрицательное отношение к
исторической картине. Импрессионисты полностью изгоняют ее из своего
творческого обихода. В России, впрочем, судьба исторической картины
складывается иначе, а в Советском Союзе историческая картина переживает свое
возрождение. Ее проблемы (человек, народ, героизм, общественные интересы)
живо захватывают советских художников. Осмысление прошлого и понимание
величавости настоящего оказываются для них в естественной связи. В
частности, Великая Отечественная война 1941-- 1945 годов питает интерес
живописцев к батальной теме, темы настоящего и прошлого как бы переплетаются
в их творчестве.
До XIX века историческая картина располагала, в сущности, небогатым
репертуаром тем: битвы, апофеозы, победы, клятвы, парады, встречи.
Разумеется, в трактовке, в истолковании любой избранной темы проявлялись
различные возможности и намерения живописца, художественного течения, школы:
это могли быть диалог или много-фигурная композиция, момент или длительная
ситуация, наконец, художник мог создать образ известного героя или воплотить
историческую ситуацию безлично. Прошлое в исторической картине трактовалось
то как обыденное (характерно для ряда течений в XIX веке), то как величавое;
порой оно не отделялось от современности: настоящее как бы участвовало в
прошлом.
Античности свойственно мифологическое и поэтическое восприятие жизни
народа, когда события седой древности сливаются в художественном
представлении с событиями недавнего прошлого и современности. При этом
античное искусство дает воплощение чувства народного единства,
гражданственного героизма, гордого ощущения связи человека с обществом. В
более поздний период, в эпоху эллинизма, в Древнем Риме это чувство
утрачивается, но зато история получает более конкретное осмысление. Напомню
о "Мозаике Александра" (помпеянская копия с оригинала Филоксена конца IV
века). Здесь проступала еще не вполне развитая, но истинная сущность
исторической картины: историческая тема представлена без богов, но типически
(не индивидуальный, определенный факт), во многом предвосхищая позднейшее
искусство; показано целостное развитие человека, единство личности и
коллектива. Напротив, в римских рельефах (триумфальные арки и колонны) все
более конкретно, есть этнографические детали, почти историческая хроника; но
исчез народный, человеческий, героический характер. Рельефы изображают не
победу, а триумф, не человека, а империю, им свойствен дуализм натурального
и аллегорического -- при известной условности репрезентативности.
В средние века идея исторической картины в общем глохнет, особенно в
тот центральный период, когда церковь целиком господствует и элементы
художественного украшения и рассказа сосредоточиваются в скульптуре.
Некоторый интерес к исторической композиции заметен лишь в начале средних
веков и с конца XIII века. Что же касается средневековья в целом, то для
развития исторической живописи здесь, разумеется, была крайне неблагоприятна
самая концепция исторического процесса -- провиденциализм (то есть взгляд на
исторический процесс как на осуществление божественного плана), убеждение в
неизменности феодального строя. Божественное откровение вместо
психологических и социальных мотивов -- такая концепция, по существу, не
оставляла места для собственно исторической темы. Поэтому средневековые
живописцы и ограничили себя орнаментально-символическими и репрезентативными
композициями на стене или интимным рассказом в миниатюре (обычно в виде
священной аналогии: например прием послов в виде поклонения волхвов).
Характерное для своего времени истолкование исторической темы дает также
"Ковер из Байе" (XI век). На шпалере в пятьдесят метров длины изображено
завоевание норманнами Англии, причем всецело господствует сукцессивный метод
рассказа. Это -- "история" без личностей, но и без народа (только рыцарская
община!), без идеи и без чувства, без окружения, но с характерными
словесными комментариями на полях.
В Северной Европе эта провиденциальная и феодальная концепция истории
продолжает существовать и в XV веке, только она все более насыщается
светскими и бытовыми элементами. Это находит, в частности, свое отражение в
миниатюрах Фуке к часословам и хроникам; они выполнены без всякого чутья
прошлого. Битвы, например, изображаются только как внешние события без
внутреннего стержня. Характер изображения к тому же подчеркнут высоким
горизонтом, словно перед нами карты, топография.
Только в Италии XV века можно видеть начало новой концепции истории,
буржуазно-гуманистической; это история, мыслимая без чудес, допускающая
элемент случая, требующая критики источников. Так постепенно история
становится наукой. И тем не менее в этой концепции еще сильны пережитки
феодализма, поскольку изучается лишь внешняя история, в которой нет места
народу, нет внимания к социальным отношениям, но зато очень чувствуется
риторика. Не потому ли итальянский Ренессанс и не создал исторической
картины в полном смысле слова (Пьеро делла Франческа, Гирландайо, Леонардо,
Микеланджело) в духе "Мозаики Александра"? Видимо, современные контрасты
социальной и духовной жизни были слишком велики, они оттягивали от истории и
влекли в изучение натуры, в гуманизм. Для художников Ренессанса человек, вне
сомнений,-- центр мира, но он действует еще главным образом на арене религии
(легенда и миф). Поэтому Ренессанс создает прежде всего портрет и монумент
(памятник). С другой стороны, Ренессанс не знал еще в полной мере
антагонизма частной п общественной жизни, поэтому его художники не отделяли,
по существу, исторический жанр от бытового: у Гирландайо, например,
историческое начало выступает в религиозно-легендарной оболочке, но в
современных бытовых рамках. К тому же ренессансный исторический образ всегда
слишком обобщен в сравнении с фактическими, действительными историческими
событиями. Но Высокий Ренессанс все-таки вносит в трактовку исторических тем
монументальную форму, героику, драматизирует событие и концентрирует
внимание на определенном моменте.
Настоящая конкретизация исторической темы появляется только после
Ренессанса, во второй половине XVI века. Эпоха кризиса ренессансного
мировоззрения, реакция, время контрреформации, подъема маньеризма питают
недоверие к натуре, побуждают к уходу от настоящего в прошлое, от
индивидуального к общему. Здесь историческая композиция нередко возникает
как пропаганда, поучение. Вместе с тем у историков конца XVI века (Мезере)
впервые ясно выражается интерес к народу, к социальным отношениям. И тут же
у Жана Бодена ("Метод для изучения истории", 1566) мы найдем наряду со
свободомыслием суеверия, веру в демонов, колдовство, чудеса. Постепенно
созревает идея непостоянства человеческой истории, дающая при всех названных
противоречиях своего рода предчувствие идеи эволюции.
Особенно яркого расцвета историческая картина достигает в Венеции.
Дворец Дожей свидетельствует, о том, что коммуны вообще думали историчней,
чем тираны. В "Битве при Кадоре" Тициана можно видеть подлинное становление
исторической композиции, хотя она еще представляет сочетание реального
действия с аллегорическим и сверхъестественным. У Веронезе ("Лепанто") и
Тинторетто ("Зара") явственно выступает стремление обосновать картину битвы
физически, технически и психологически. И в то же время все в целом --
массовые сцены, народ, окружение -- показано как сон, как зрелище, со
стороны.
XVII век, когда складывается искусство барокко,-- это эпоха
абсолютизма; грандиозная картина бушующих общественных антагонизмов,
страстей и событий. Индивидуальная воля теперь все чаще сталкивается с
общественными силами. Вся историческая обстановка способствует обособлению
частной жизни от событий всемирной истории в сознании мыслителей и
художников. Отсюда прежде всего -- выделение чистого жанра, который до сих
пор был неотрывен от исторической композиции. Самое же главное -- более
субъективный и экспрессивный подход к истолкованию исторического события.
Особенно характерен в этом смысле Рубенс, который соединяет увлечение
аллегорией с поэтической выдумкой и субъективным переживанием истории.
Напомню его композицию "Последствия войны" и его собственный комментарий к
картине (письмо к Сустермансу в 1638 году): "Главная фигура -- Марс с
кровавым мечом, несущий народу несчастье... Чудовища, означающие чуму и
голод, неразрывных спутников войны... на земле лежит мать с ребенком --
война угрожает плодородию и родительской любви... Под ногами Марса -- книга
и рисунок, ибо он попирает также и науку и все прекрасное... Женщина в
черном платье с разорванным покрывалом -- Европа, которая уже долгие годы
страдает от разгрома, позора и нищеты".
Наивысшие достижения исторической живописи эпохи барокко принадлежат
Веласкесу ("Сдача Бреды") и Рембрандту ("Клятва Клавдия Цивилиса").
Характерно, между прочим, что обе картины, по существу, композиции без
действия: Веласкес избрал момент после события, Рембрандт -- до него. Вместе
с тем у Рембрандта очень отдаленная, легендарная старина изображена живо,
так сказать, актуально; у Веласкеса же очень недавнее, почти современное
событие поднято на ступень исторической значительности, обобщено, как бы
отодвинуто от зрителя. И в том и в другом случае документальная точность
сочетается с естественной простотой и человечностью, монументальность -- с
интимностью. Вполне очевидна и субъективность исторической концепции
(прославление патриотизма и рыцарского благородства) при явной
заинтересованности художника в происходящем в отличие от тех исторических
композиций XVI века, где массовое действие показано как зрелище, как сон.
Одновременно в XVII веке происходит усиление академизма, который ведет
в исторической живописи к условным схемам, аллегории, костюмной
театральщине.
Скажем кратко и о том, что прибавляют XVIII и XIX века. XVIII век --
теорию прогресса, интерес к изучению истории культуры, понятие среды, духа
нации, народного духа, а в итоге -- даже критицизм и полемизм (у Гойи). В
XIX веке процесс развития исторической живописи усложняется и
дифференцируется. С одной стороны, в большинстве крупных европейских стран
историческая композиция находится во власти академизма и утрачивает
подлинный творческий интерес для передовых художников. С другой стороны, она
привлекает особое внимание в связи с национально-освободительным движением и
переживает новый расцвет, например, в Польше. Наконец, новая историческая
концепция складывается у представителей сравнительно молодой творческой
школы еще в конце
XVIII века -- у американо-англичан Коплея и Веста (стремление в
репрезентативность чуть ли не барочной композиции внести актуальное и
индивидуальное содержание). В целом можно сказать, что исторической живописи
XIX века свойственны две как бы противоположные тенденции: 1. Восприятие
прошлого как настоящего, во всей случайности обыденной жизни. 2. Героизация
настоящего, возвышение современной действительности на степень исторического
факта (но уже без античной тоги). При этом художников интересует не только
психология героя, но и психология человека вообще, обыкновенного смертного
(с предпочтением момента страдания, пессимизма в оценке хода исторических
событий для судьбы личности).
Следует также особенно подчеркнуть важное значение русской исторической
картины, которая развивалась во второй половине
XIX века как раз в борьбе с академизмом, в принципиальном
противодействии его холодным, риторическим, костюмным композициям.
Достаточно напомнить о драме исторической личности, как она представлена у
Репина, о трагедии народного бунтарства у Сурикова (примеры широко
известны), о необычайно остром внимании к человеку, его психике в моменты
больших потрясений.
В то же время в исторической живописи к концу XIX века человек
постепенно теряет свое значение. В центре интересов художника теперь
находится исторический пейзаж, господствуют бесфабульность, архаизация при
стилизованном декоративизме и эскизности5.