Творческие портреты композиторов. Популярный справочник

ОГЛАВЛЕНИЕ

Ж

ЖАНЕКЕН (Janequin) Клеман (ок. 1475, Шательро, близ Пуатье - ок. 1560,
Париж)

Сквозь мастера смотри на мастерство.

В. Шекспир

Слагает ли он мотеты в массивных аккордах, дерзает ли он воспроизводить
шумное смятение, передает ли он в своих песнях женскую болтовню,
воспроизводит ли он птичьи голоса, - во всем, что воспевает великолепный
Жанекен, он божествен и бессмертен.

А. Банф

К. Жанекен - французский композитор первой половины XVI в. - одна из
самых ярких и значительных фигур эпохи Возрождения. К сожалению, достоверных
сведений о его жизненном пути сохранилось крайне мало. Но облик
художника-гуманиста, жизнелюба и весельчака, тонкого лирика и остроумного
сатирика-жанриста выразительно раскрывается в его творчестве, разнообразном
по сюжетам и жанрам. Как и многие представители музыкальной культуры
Возрождения, Жанекен обращался к традиционным жанрам духовной музыки - писал
мотеты, псалмы, мессы. Но наиболее самобытные, имевшие большой успех у
современников и сохраняющие до сегодняшнего дня свое художественное
значение, произведения созданы композитором в светском жанре французской
полифонической песни - шансон. В истории развития музыкальной культуры
Франции этот жанр сыграл очень важную роль. Уходя своими корнями в народную
песенно-поэтическую культуру средневековья, бытуя в творчестве трубадуров и
труверов, шансон выражала думы и чаяния всех социальных слоев общества.
Поэтому в ней органичнее и ярче, чем в каких-либо иных жанрах, воплотились
черты ренессансного искусства.
Наиболее раннее (из известных) издание песен Жанекена относится к 1529
г., когда старейший в Париже нотопечатник Пьер Аттеньян опубликовал ряд
крупных песен композитора. Эта дата стала своеобразной точкой отсчета при
определении вех жизненного и творческого пути художника. Первый этап
интенсивной музыкальной деятельности Жанекена связан с городами Бордо и
Анже. С 1533 г. он занимает видное место музыкального руководителя в
анжерском соборе, который славился высоким исполнительским уровнем своей
капеллы и превосходным органом. В Анже - крупном центре гуманизма XVI в.,
где видную роль в общественной жизни играл университет, композитор провел
около 10 лет. (Интересно, что с Анже связана юность и другого выдающегося
представителя французской ренессансной культуры - Франсуа Рабле. В прологе к
четвертой книге «Гаргантюа и Пантагрюэль» он тепло вспоминает об этих
годах.)
Из Анже Жанекен уезжает ок. 1540г. О последующем десятилетии его жизни
практически ничего не известно. Документальное свидетельство имеется о
поступлении Жанекена в конце 1540-х гг. на службу в качестве капеллана к
герцогу Франсуа де Гизу. Сохранилось несколько шансон, посвященных Жанекеном
военным победам герцога. С 1555 г. композитор становится певцом королевской
капеллы, затем получает звание «постоянного композитора» короля. Несмотря на
европейскую известность, успех произведений, многократные переиздания
сборников шансон, Жанекен испытывает серьезные материальные затруднения. В
1559 г. он даже обращается со стихотворным посланием к французской королеве,
в котором прямо жалуется на бедность.
Сложности повседневного существования не сломили композитора. Жанекен
являет собой ярчайший тип ренессансной личности с ее неистребимым духом
бодрости и оптимизма, любовью ко всем земным радостям, умением видеть
красоту в окружающем мире. Широко распространено сравнение музыки Жанекена с
творчеством Рабле. Художников роднит сочность и колорит языка (у Жанекена
это не только выбор поэтических текстов, изобилующих меткими народными
выражениями, искрящихся юмором, весельем, но и любовь к красочным детальным
описаниям, широкое использование изобразительных и звукоподражательных
приемов, придающих его произведениям особую правдивость и жизненность).
Ярким примером может служить знаменитая вокальная фантазия «Крики Парижа» -
развернутая, словно театрализованная сценка уличного парижского быта. После
мерного вступления, где автор спрашивает слушателей, не желают ли они
послушать уличную разноголосицу Парижа, начинается первый эпизод
представления - непрерывно звучат, сменяясь и перебивая друг друга, зазывные
возгласы продавцов: «пирожки, красное вино, сельди, старые башмаки,
артишоки, молоко, свекла, вишня, русские бобы, каштаны, голуби»... Темп
исполнения все убыстряется, создавая в этой цветистой разноголосице картину,
ассоциирующуюся с гиперболами «Гаргантюа». Фантазия завершается призывами:
«Слушайте! Слушайте крики Парижа!»
Ряд картинно-изобразительных хоровых композиций Жанекена родился как
отклик на важные исторические события его эпохи. Одно из популярнейших
сочинений композитора - «Битва» - описывает сражение при Мариньяно в
сентябре 1515 г., где французские войска нанесли поражение швейцарцам. Ярко
и рельефно, словно на батальных полотнах Тициана и Тинторетто, выписан
звуковой образ грандиозной музыкальной фрески. Ее лейттема - призывный клич
походного горна - проходит через все эпизоды произведения. В соответствии с
развертывающимся поэтическим сюжетом эта шансон состоит из двух разделов:
1ч. - подготовка к битве, 2 ч. - ее описание. Свободно варьируя фактуру
хорового письма, композитор следует за текстом, стремясь передать
эмоциональное напряжение последних мгновений перед битвой и героическую
решимость воинов. В картине боя Жанекен использует множество новаторских,
крайне смелых для своего времени, приемов звукоподражания: партии хоровых
голосов имитируют дробь барабанов, сигналы труб, бряцание мечей.
Ставшая открытием для своей эпохи шансон «Битва при Мариньяно» вызвала
множество подражаний как у соотечественников Жанекена, так и за пределами
Франции. Сам композитор неоднократно обращался к композициям подобного рода,
вдохновленный патриотическим подъемом, вызванным победами Франции («Битва
при Меце» - 1555 и «Битва при Ренти» - 1559). Воздействие
героико-патриотических шансон Жанекена на слушателей было чрезвычайно
сильным. Как свидетельствует один из его современников, «когда исполняли
"Битву при Мариньяно"... каждый из присутствующих хватался за оружие и
принимал воинственную позу».
Среди выразительных поэтических зарисовок и иллюстративных картин
жанрово-бытового плана, созданных средствами хорового многоголосия,
почитатели таланта Жанекена выделяли «Охоту на оленя», звукоподражательные
пьесы «Пение птиц, Соловей» и комическую сценку «Женская болтовня».
Сюжетность, живописность музыки, тщательность звуковой прорисовки
многочисленных деталей вызывают ассоциации с полотнами голландских
художников, которые придавали значение мельчайшим деталям изображаемого на
полотне.
Камерная вокальная лирика композитора значительно менее известна
слушателям, чем его монументальные хоровые композиции. В ранний период
творчества Жанекен тяготел к поэзии Клемана Маро, одного из любимейших
поэтов А. Пушкина. С 1530-х гг. появляются шансон на стихи поэтов знаменитой
«Плеяды» - творческого содружества семи выдающихся деятелей искусства,
назвавших свой союз в память о созвездии александрийских поэтов. В их
творчестве Жанекена пленили изысканность и изящество образов, музыкальность
слога, пылкость чувств. Известны вокальные композиции на стихи П. Ронсара -
«короля поэтов», как прозвали его современники, Ж. Дю Белле, А. Баифа.
Традиции гуманистического искусства Жанекена в области многоголосной
полифонической песни были продолжены Гильомом Котле и Клоденом де Сермизи.
/Н. Яворская/
ЖИГАНОВ Назиб Гаязович (15 I 1911, Уральск - 2 VI 1988, Казань)

Песни, в душе я взрастил ваши всходы...

Эту строку из «Моабитской тетради» Мусы Джалиля с полным правом можно
отнести к музыке его друга и творческого сподвижника Н. Жиганова. Верный
художественным основам татарской народной музыки, он нашел оригинальные и
плодотворные пути для ее живой взаимосвязи с творческими принципами мировой
музыкальной классики. Именно на таком фундаменте выросло его талантливое и
самобытное творчество - 8 опер, 3 балета, 17 симфоний, сборники фортепианных
пьес, песни, романсы.
Жиганов родился в рабочей семье. Рано потеряв родителей, он провел
несколько лет в детских домах. Живой и энергичный, Назиб заметно выделялся
среди воспитанников Уральской пионерской коммуны своими незаурядными
музыкальными способностями. Влечение к серьезной учебе приводит его в
Казань, где в 1928 г. он был принят в Казанский музыкальный техникум. Осенью
1931 г. Жиганов становится учащимся Московского областного музыкального
техникума (теперь музыкальное училище при Московской консерватории).
Творческие успехи позволили Назибу по рекомендации Н. Мясковского в 1935 г.
стать студентом сразу третьего курса Московской консерватории по классу
своего прежнего учителя - профессора Г. Литинского. Завидной оказалась
судьба крупных сочинений, созданных в консерваторские годы: в 1938 г. в
первом симфоническом концерте, открывшем Татарскую государственную
филармонию, была исполнена его Первая симфония, а 17 июня 1939 г.
постановкой оперы «Качкын» («Беглец», либр. А. Файзи) открылся Татарский
государственный театр оперы и балета. Вдохновенный певец героических
свершений народа во имя Родины - а этой теме, кроме «Качкын», посвящены
оперы «Ирек» («Свобода», 1940), «Ильдар» (1942), «Тюляк» (1945), «Намус»
(«Честь», 1950), - композитор наиболее полно воплощает эту центральную для
него тему в своих вершинных произведениях - в историко-легендарной опере
«Алтынчеч» («Золотоволосая», 1941, либр. М. Джалиля) и в опере-поэме
«Джалиль» (1957, либр. А. Файзи). Оба произведения покоряют
эмоционально-психологической глубиной и неподдельной искренностью музыки, с
выразительной, сохраняющей национальную основу мелодикой, и искусным
сочетанием развитых и целостных сцен с действенно-сквозным симфоническим
развитием.
Неотделимо-родствен оперному творчеству большой вклад Жиганова в
татарский симфонизм. Симфоническая поэма «Кырлай» (по сказке Г. Тукая
«Шурале»), драматическая увертюра «Нафиса», сюита Симфонические новеллы и
Симфонические песни, 17 симфоний, сливаясь воедино, воспринимаются как яркие
главы симфонической летописи: в них то оживают образы мудрых народных
сказок, то живописуются пленительные картины родной природы, то
развертываются коллизии героических борений, то музыка вовлекает в мир
лирических чувств, а эпизоды народно-бытового или фантастического характера
сменяются экспрессией драматических кульминаций.
Творческое кредо, характерное для композиторского мышления Жиганова,
было положено в основу деятельности Казанской консерватории, создание и
руководство которой ему было поручено в 1945 г. Более 40 лет он возглавлял
работу по воспитанию в ее питомцах высокого профессионализма.
На примере творчества Жиганова всеобъемлюще раскрываются результаты
поистине революционного переворота в истории ранее отсталых пентатонических
музыкальных культур национальных автономных республик Поволжья, Сибири и
Урала. Лучшие страницы его творческого наследия, проникнутые
жизнеутверждающим оптимизмом, по-народному яркой интонационной
характерностью музыкального языка, заняли достойное место в сокровищнице
татарской музыкальной классики. /Я. Гиршман/
ЖОЛИВЕ (Jolivet) Андре (8 VIII 1905, Париж - 20 XII 1974, там же)

Я хочу вернуть музыке ее первоначальный античный смысл, когда она была
выражением магического и заклинательного начала религии, объединяющей людей.

А. Жоливе

Современный французский композитор А. Жоливе говорил, что стремится
«быть настоящим универсальным человеком, человеком космоса». Он относился к
музыке как к волшебной силе, магически воздействующей на людей. Для усиления
такого воздействия Жоливе постоянно искал необычные тембровые сочетания. Это
могли быть экзотические лады и ритмы народов Африки, Азии и Океании,
сонорные эффекты (когда звучание воздействует своей краской без четкого
различения отдельных тонов) и другие приемы.
Имя Жоливе появилось на музыкальном горизонте в середине 30-х гг.,
когда он выступил как член группы «Молодая Франция» (1936), куда входили
также О. Мессиан, И. Бодрие и Д. Лесюр. Эти композиторы призывали к созданию
«живой музыки», преисполненной «душевного тепла», они мечтали о «новом
гуманизме» и «новом романтизме» (что было своеобразной реакцией на увлечение
конструктивизмом в 20-е гг.). В 1939 г. сообщество распалось, и каждый из
его участников пошел своим путем, сохраняя верность идеалам молодости.
Жоливе родился в музыкальной семье (его мать была хорошая пианистка). Учился
основам композиции у П. Ле Флема, а затем - инструментовке у Э. Вареза
(1929-33). От Вареза, родоначальника сонорной и электронной музыки, во
многом и пошла склонность Жоливе к красочным звуковым экспериментам. В
начале своего композиторского пути Жоливе находился во власти идеи «познать
сущность "заклинательной магии" музыки». Так возник цикл фортепианных пьес
«Мана» (1935). Слово «мана» на одном из африканских языков означает
таинственную силу, живущую в вещах. Эту линию продолжили «Заклинания» для
флейты solo, «Ритуальные танцы» для оркестра, «Симфония танцев и Дельфийская
сюита» для духовых, волн Мартено, арфы и ударных. Жоливе часто использовал
волны Мартено - изобретенный в 20-е гг. электромузыкальный инструмент,
издающий плавные, словно неземные звуки.
Во время второй мировой войны Жоливе был мобилизован и около полутора
лет провел в армии. Впечатления военного времени вылились в «Трех жалобах
солдата» - камерном вокальном произведении на собственные стихи (Жоливе
обладал прекрасным литературным талантом и в молодости даже колебался,
какому из искусств отдать предпочтение). 40-е гг. - время перемен в стиле
Жоливе. Первая соната для фортепиано (1945), посвященная венгерскому
композитору Б. Бартоку, отличается от ранних «заклинаний» энергией и
четкостью ритма. Расширяется круг жанров здесь и опера («Долорес, или Чудо
безобразной женщины»), и 4 балета. Лучший из них «Гиньоль и Пандор» (1944)
воскрешает дух балаганных марионеточных представлений. Жоливе пишет 3
симфонии, оркестровые сюиты («Трансокеанская и Французская»), но самым
любимым его жанром в 40-60-е гг. стал концерт. Один только перечень
солирующих инструментов в концертах Жоливе говорит о неустанных поисках
тембровой выразительности. Свой первый концерт Жоливе написал для волн
Мартено с оркестром (1947). Затем последовали концерты для трубы (2),
флейты, фортепиано, арфы, фагота, виолончели (Второй виолончельный концерт
посвящен М. Ростроповичу). Есть даже концерт, где солируют ударные
инструменты! Во Втором концерте для трубы с оркестром слышны джазовые
интонации, а в фортепианном наряду с джазом звучат отголоски африканской и
полинезийской музыки. Многие французские композиторы (К. Дебюсси, А.
Руссель, О. Мессиан) обращали взоры к экзотическим культурам. Но вряд ли кто
может сравниться с Жоливе в постоянстве этого интереса, его вполне можно
назвать «Гогеном в музыке».
Деятельность Жоливе как музыканта очень разнообразна. Долгое время
(1945-59) он был музыкальным директором парижского театра Comedie Francaise;
за эти годы он создал музыку к 13 спектаклям (среди них «Мнимый больной» Ж.
Б. Мольера, «Ифигения в Авлиде» Еврипида). В качестве дирижера Жоливе
выступал во многих странах мира и неоднократно приезжал в СССР. Его
литературный талант проявился в книге о Л. Бетховене (1955); постоянно
стремясь к общению с публикой, Жоливе выступал как лектор и журналист, был
главным консультантом по музыкальным вопросам в Министерстве культуры
Франции.
В последние годы жизни Жоливе отдает себя педагогике. С 1966 р. и до
конца своих дней композитор занимает должность профессора Парижской
консерватории, где ведет класс композиции.
Говоря о музыке и ее магическом воздействии, Жоливе делает акцент на
общении, чувстве единства людей и всего мироздания: «Музыка это прежде всего
акт общения... Общение композитора и природы... в момент создания
произведения, а затем - общение между композитором и публикой в момент
исполнения произведения». Достичь такого единения композитору удалось в
одном из крупнейших своих сочинений - оратории «Правда о Жанне». Она была
исполнена впервые в 1956 г, (через 500 лет после судебного процесса,
оправдавшего Жанну д'Арк) на родине героини - в селении Домреми. Жоливе
использовал тексты протоколов этого процесса, а также стихи средневековых
поэтов (в т. ч. Шарля Орлеанского). Оратория исполнялась не в концертном
зале, а на открытом воздухе, в присутствии нескольких тысяч человек. /К.
Зенкин/
ЖОСКЕН ДЕПРЕ (Josquin Despres) (ок. 1440 - 27 VIII 1521,
Конде-сюр-л'Эско)

Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы
полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни
исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в.
Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях
композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем. Первое
документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о
певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В
миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г.
Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы.
Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится
к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно
60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI
в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь
Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную
пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца миг участвовать в ее
исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому
Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта
история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете
Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов
светского общества.
В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно,
что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время
колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу
последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное
место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г.
эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения
покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в
начале 1505 г.
Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе
Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого
периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой.
Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его
творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые
известные - «Вооруженный человек, Pange lingua» и «Месса о благословенной
Деве»), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось
органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной
техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал
также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты
- т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе
подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на
народные песню и танец.
Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы
ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф.
Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем:
«Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы,
наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты». /С. Лебедев/
ЖУБАНОВА Газиза Ахметовна (р. 2 XII 1927, колхоз Жана-Турмыс
Актюбинской обл.)

Существует такое изречение: "Философия начинается с удивления". А если
человек, тем более композитор, не испытывает удивления, радости открытия, он
многое теряет в поэтическом осмыслении мира.

Г. Жубанова

Г. Жубанову по праву можно назвать лидером композиторской школы
Казахстана. Она также вносит значительный вклад в современную казахскую
музыкальную культуру своей научной, педагогической и общественной
деятельностью. Основы музыкального воспитания заложил отец будущего
композитора - академик А. Жубанов, один из основоположников казахской
советской музыки. Формирование самостоятельного музыкального мышления
произошло в студенческие и аспирантские годы (училище им. Гнесиных, 1945-49
и Московская консерватория, 1949-57). Напряженные творческие опыты вылились
в скрипичный Концерт (1958), который открыл первую страницу истории этого
жанра в республике. Сочинение показательно тем, что в нем ярко проявилась
концепция всего последующего творчества: отклик на извечные вопросы бытия,
жизнь духа, преломленные сквозь призму современного музыкального языка в
органичном сочетании с художественным переосмыслением традиционного
музыкального наследия.
Жанровый спектр творчества Жубановой многообразен. Ею созданы 3 оперы,
4 балета, 3 симфонии, 3 концерта, 6 ораторий, 5 кантат, свыше 30
произведений камерной музыки, песенные и хоровые сочинения, музыка к
спектаклям и кинофильмам. Большинству из этих опусов присущи философская
глубина и поэтическое осмысление мира, который в сознании композитора не
ограничен пространственно-временными рамками. Художественная мысль автора
обращается как в глубь времен, так и к актуальным проблемам современности.
Вклад Жубановой в современную казахскую культуру огромен. Она не только
использует или продолжает сложившуюся в течение многих веков национальную
музыкальную традицию своего народа, но и сама существенно влияет на
формирование ее новых признаков, адекватных этническому сознанию казахов
конца XX в.; сознанию, не замкнутому в своем Пространстве, а включенному в
общечеловеческий мировой Космос.
Поэтический мир Жубановой - это мир Социума и мир Этоса, с его
противоречиями и ценностями. Таковы обобщенно-эпический струнный Квартет
(1973); Вторая симфония с ее противостоянием двух антимиров - красоты
человеческого «Я» и социальных бурь (1983); фортепианное Трио «Памяти Юрия
Шапорина», где образы Учителя и художественного «Я» построены на ярком
психологическом параллелизме (1985).
Будучи глубоко национальным композитором, Жубанова сказала свое слово
большого мастера в таких сочинениях, как симфоническая поэма «Аксак-Кулан»
(1954), оперы «Енлик и Кебек» (по одноим. драме М. Ауэзова, 1975) и
«Курмангазы» (1986), симфония «Жигер» («Энергия», памяти отца, 1973),
оратория «Письмо Татьяны» (на ст. и песни Абая, 1983), кантата «Сказ о
Мухтаре Ауэзове» (1965), балет «Карагоз» (1987) и др. Помимо плодотворного
диалога с традиционной культурой, композитор представила яркие образцы
обращения к современной тематике с ее трагическими и незабываемыми
страницами: камерно-инструментальная поэма «Толгау» (1973) посвящена памяти
Алии Молдагуловой; опера «Двадцать восемь» («За нами Москва») - подвигу
панфиловцев (1981); в балетах «Акканат» («Легенда о белой птице», 1966) и
«Хиросима» (1966) выражена боль трагедии японского народа. Духовная
сопричастность нашей эпохе с ее катаклизмами и величием идей отразилась в
трилогии о В. И. Ленине - оратория «Ленин» (1969) и кантаты «Аральская быль»
(«Письмо Ленина», 1978), «Ленин с нами» (1970).
Жубанова успешно сочетает творческую работу с активной общественной и
педагогической деятельностью. Будучи ректором АлмаАтинской консерватории
(1975-87), она много сил отдала воспитанию современной плеяды талантливых
казахских композиторов, музыковедов, исполнителей. В течение многих лет
Жубанова является членом правления Комитета советских женщин, а в 1988 г.
избрана членом Советского фонда милосердия.
Широта проблем, которая проявляется в творчестве Жубановой, находит
отражение и в сфере ее научных интересов: в публикациях статей и очерков, в
выступлениях на всесоюзных и международных симпозиумах в Москве, Самарканде,
Италии, Японии и др. И все же главным для нее является вопрос о путях
дальнейшего развития культуры Казахстана. «Истинная традиция живет в
развитии», - в этих словах выражена и гражданская, и творческая позиция
Газизы Жубановой, человека с удивительно добрым взглядом и в жизни, и в
музыке. /С. Амангильдина/